Flos Mariae se modernizan y ahora hacen K-pop

Desde “Amén” hasta “Saranghae Forever”, la evolución del pop católico de Flos Mariae

Como una loncha de queso en un sándwich preso” fue la frase que les dio ese empujón hacia el estrellato. Y cómo no hacerlo. Flos Mariae revolucionaba el mundo pop en Internet gracias a su colorido estilismo, sus coreografías, las letras de sus canciones y el mensaje que mandaban.

Estas siete hermanas formaron en 2014 el grupo de pop católico con el que cumplían la promesa de transmitir el mensaje de fe. Canciones como “Amén” o “Viva el Papa” se hicieron virales a una velocidad de vértigo. Y cada vídeo que sacaban, tenía una gran cantidad de visitas.

Ahora, Flos Mariae ha dado el siguiente paso en su carrera musical. Ante el reciente éxito del K-Pop (pop coreano) en occidente, ellas se han unido al movimiento con su nuevo tema: “Saranghae Forever. “Saranghae” significa “te quiero” en coreano y, aunque se hayan modernizado en cuanto a estilo musical y coreografías más movidas sus mensajes siguen siendo de amor hacia Dios.

Las integrantes del grupo se negaron a dar entrevistas o dar conciertos a causa de sus trabajos y vidas privadas. Sin embargo, siguen con la misión evangelizadora con sus canciones religiosas y sus vídeos en YouTube.

Spoiler alert: Los Jonas Brothers han vuelto y siguen siendo geniales

Los Jonas Brothers vuelven con su nuevo single: “Sucker

No podíamos terminar el mes de febrero de mejor manera que con el anuncio de la vuelta de los Jonas Brothers. Ayer el grupo subía a todas sus redes sociales la sorpresa y las redes se incendiaban. En la foto venía el título de su single, y la promesa de que no tendríamos ni que esperar 24 horas para poder ver el vídeo musical en YouTube.

“Qué bien poderlo decir ya”, explica Nick Jonas en un vídeo promocional que también sacaron ayer con el presentador James Corden para su Carpool Karaoke. “Ha sido muy difícil guardar el secreto por siete u ocho meses“.

La banda comenzó en el año 2005 al firmar contrato con Columbia Records, discográfica con la que lanzaron su primer álbum. Más tarde se unirían a Hollywood Records, de The Walt Disney Company. En 2008 no solo aparecieron, sino que Joe Jonas protagonizó junto a Demi Lovato la película de original de Disney Channel “Camp Rock”, que funcionaria como empujón final para el éxito adolescente de la banda. En total, los Jonas Brothers sacaron cuatro álbums de estudio.

El regreso de los Jonas Brothers era muy esperado, desde que se disolvieran en 2013. Desde entonces, los tres hermanos han estado trabajando por separado. Joe Jonas saltaba a la banda DNCE con los sencillos “Cake By The Ocean” y “Kissing Strangers”, ambos temas siendo hits a nivel internacional. El pequeño, Nick Jonas sacó dos discos, el primero incluyendo el tema “Jealous”, que también consiguió hacerse un hueco en listas internacionales. Incluso nos deleitaron con este remake de un Vine suyo que se hizo viral cuando todavía existía Vine.

El nuevo sencillo, “Sucker“, ya cuenta con 1,7 millones de reproducciones y los fans están sacando su merchandising de 2012. En el vídeo musical nos reencontramos con la esencia de la banda que tanto nos gusta, una melodía pegadiza y alegre. Por si no fuera sufuciente, en el vídeo también podemos ver a Priyancha Chopra (Quantico), Danielle Jonas y Sophie Turner (Juego de Tronos), que son las actuales parejas de los componentes de la banda.

Además, como buena friki que soy, el vídeo musical está grabado en Hatfield House, localización de la película La Favorita. Podemos ver los jardines e interiores. En la película, la reina Ana de Inglaterra es retratada por llevar una vida tediosa y aburrida, en la que buscaba entretenimientos de cualquier tipo, y esto es lo que ha inspirado sin duda el vídeo musical.

Podemos ver a Danielle Jonas paseando un montón de corgis, raza que las reinas de Inglaterra tienen por tradición. Además, la reina Ana era conocida por tener 17 conejos (uno por cada hijo que perdió) y ahí salen las tres chicas, escuchando a los Jonas en sus mejores galas rodeadas de conejos. Y muchos más guiños. Es una fantasía de vídeo musical. Dirigido por Anthony Mandler, por si queréis cotillearle, que tiene una increíble carrera.

Por si aún no habéis escuchado “Sucker“, aquí os lo dejo. Spoiler: os va a gustar.

 

Así es Enigma, el show de Lady Gaga en Las Vegas

El repaso de la carrera de Lady Gaga con algunos momentos cringe incluidos.

He hecho un viaje en avión de 18 horas (con escalas) hasta Las Vegas solo para ver a Lady Gaga. Soy muy fan, sí; y Gaga anunció en diciembre de 2017 que iba a tener un show residencial en Las Vegas, Enigma, así que tenía que ir a verlo.

Técnicamente su primer show residencial fue en marzo de 2014 con el Live at Roseland Ballroom, en Nueva York; pero fue algo puntual y relativamente pequeño. Pero Enigma, como Lady Gaga ha llamado a su residencia, es algo más.

El show tiene lugar en el MGM Theater, en el hotel MGM Park, un espacio sorprendentemente grande para encontrarse en el interior de un hotel; totalmente adaptado para los shows que dará Gaga durante los próximos dos años. Además del show de Enigma, la artista va a ir alternando algunas actuaciones de la versión Jazz & Piano, que será algo más acústico y relajado.

Pero volvamos a Enigma, ¿merece realmente la pena? Lo cierto es que en mi caso cogí las entradas con bastante antelación (el mismo día que se pusieron a la venta), con lo que pude asegurarme un precio relativamente asequible de 200$. Y digo asequible porque, aunque no lo sea, las entradas llegaron a subir a 9.000$ la noche antes del segundo show de Enigma, el que yo asistí. Contando con que vas a tener que invertir un mínimo de 200$, además del vuelo hasta Las Vegas, el alojamiento y la comida, lo cierto es que ver el show de Gaga te va a salir caro. Las Vegas es una ciudad increíblemente cara donde todo tu entorno te invita a consumir y a gastar más dinero, y cada gasto viene acompañado de algún impuesto extra y de las inevitables propinas estadounidenses.

Enigma es un repaso por los diez años de carrera musical de Lady Gaga, camuflados en una narrativa en la que Gaga y sus músicos quedan atrapados en una simulación y deben escapar de ella con la ayuda de Enigma (si seguisteis de cerca el disco y la promo de Artpop, Enigma es el personaje que te guiaba en la app de Artpop).

Todo el show tiene una estética oscura, futurista y con un toque de neones de vez en cuando; acompañado en todo momento por lo numerosos cambios de looks de Gaga y alguna sorpresa (robótica) sobre el escenario. La realidad es que, a pesar de adorar a Gaga y considerar que es una de las grandes artistas y creativas de nuestro siglo, por primera vez en uno de sus shows hubo momentos cringe, es decir, que generaban un poquito de vergüenza ajena. Bien porque son los primeros shows o bien porque Gaga debe estar un poco cansada de ir cada día de un lado a otro a recoger premios o hacer promos de las películas, series, canciones, etc. que esté haciendo en ese momento, hubo momentos donde se le veía un poco agotada en el escenario o donde algunas cosas no cuadraban bien, como la sincronización en la conversación entre Gaga y Enigma.

Si tienes el dinero y eres muy fan de Lady Gaga, ve a ver Enigma. Es un show de dos horas increíble, con uno de los mejores sonidos en directo que he escuchado jamás y que, como todo lo que hace Gaga, es una auténtica obra de arte.

Os presentamos la Winter Anthem Gala

La música y el mundo digital se unen en una gala benéfica por el empoderamiento de la mujer

El próximo martes 18 de diciembre se celebrará la primera edición de la Winter Anthem Gala en el edificio del Círculo de Bellas Artes de Madrid. La primera gala benéfica del entorno digital a nivel nacional recaudará fondos en favor de la Fundación Ana Bella de mujeres supervivientes de violencia de género.

La música será el pilar fundamental de la noche con las actuaciones de numerosos artistas que se irán desvelando poco a poco. La DJ e instagramer Luceral y el DJ y fotógrafo Gerard Estadella se encargarán de amenizar los momentos previos y posteriores del evento, respectivamente, con sus DJ sets.

El gran Salón de Baile del Círculo de Bellas Artes de Madrid será testigo de la primera y ambiciosa Winter Anthem Gala en una velada musical al nivel de los mejores festivales de música del país. El cartel de lujo se extiende más allá del escenario con las más de 200 personas invitadas, entre las que se incluyen actores, instagrammers, youtubers, celebrities y representantes de las principales agencias de comunicación del estado, que asistirán a la Gala benéfica.

El simbólico edificio del Círculo de Bellas Artes se convertirá por una noche en plató de televisión para ofrecer en riguroso directo, en abierto y de forma gratuita la retransmisión de la Gala a través de internet y del canal de YouTube de Omglobalnews. La periodista y youtuber Sylvia Salas será la encargada de conducir la Gala junto a la instagramer y humorista Gakian.

La música será el plato fuerte de la Gala que cuenta con la colaboración de Paypal y el Círculo de Bellas Artes de Madrid y con la que se espera convencer a los asistentes y espectadores de que hagan sus aportes económicos. Además, PayPal donará un 1€ por cada tuit que la audiencia escriba con el hashtag que se confirmará el mismo 18 de diciembre, hasta un máximo de 5.000€.

Beseiscientosdoce: Entrevistamos a Rayden por su nuevo single

“Escribí la canción el día en el que El Principito cumplía 75 años y quería mostrar la visión desde la trampa de ver con óptica infantil el mundo adulto; el descontento y lo insustancial.”

El videoclip de Beseiscientosdoce está rodado en Islandia.

Hace escasas horas Rayden publicaba su nuevo single llamado Beseiscientosdoce. Es el segundo sencillo que coronará su futuro álbum, Sinónimo. Beseiscientosdoce ya está disponible en todas las plataformas digitales y el videoclip se ha colado en las tendencias españolas en Youtube. Ayer pudimos charlar con el artista pocas horas antes de que el mundo pudiese ver su nuevo trabajo y esto es lo que nos contó.

PREGUNTA: Has dicho que con ninguno de los anteriores discos te habías puesto tan nervioso como con el lanzamiento de éste.

RAYDEN: Sí, porque a este disco no le veo ningún “pero”. Más que nervios es ansia viva. Quiero que deje de ser mío y que la gente lo tenga como suyo, que lo flipen como lo he hecho yo. Con ningún trabajo mío me había pasado que se me pegasen las canciones como si fuesen de otra persona y el 90% de las canciones de este disco son así.

P: ¿Qué le pasa al 10% restante?

R: Ese 10% del disco es la intro y funciona como unión de términos. De hecho, lo bonito es que este disco transcurre dentro de un aforismo de Gloria Fuertes.

P: ¿Y eso?

R: Creo que nunca lo ha hecho nadie. Es el aforismo del poema de Gloria Fuertes  que dice “Lo primero, la bondad; lo segundo, el talento. Y aquí termina el cuento”. Por eso el primer tema se llama “Lo primero la bondad” y el último tema se llama “Lo segundo el talento”. Quise que fuese así, contar todo lo que me representa esa confrontación. El aforismo disfrazado de sentencia o de certeza. Y es la propia intro la que empieza a unir términos con todas las acepciones que tiene.

P: ¿Con qué palabra sentenciarías este trabajo? ¿Bondad o talento?

R: Bondad.

P: ¿Por qué?

R: Quizá porque no me he vaciado en este disco sino que me he dado la vuelta a las tripas. Se lo he enseñado a amigos y me han dicho que es como cuando parece que te vas a ahogar pero al final consigues dar una bocanada  de aire y ya todo es diferente. Es el proceso de hundimiento y el de conseguir salir a flote, que es muy bonito.

P: Aunque te hayas querido inspirar en Gloria Fuertes, ¿en qué momento histórico personal tuyo está hecho este disco?

R: En el peor. Tanto que incluso tuve ataques de ansiedad como nunca había tenido. Mi cuerpo y mi mente dijeron basta. Y me ha servido. Hay gente que dice que escribe mejor cuando está triste o cuando está alegre. Yo creo que todo el mundo escribe mejor cuando sale de lo que está acostumbrado a vivir. Esto me llevó a un punto en el que nunca había estado en mi vida, un punto que ni mi mente ni mi cuerpo podía controlar, pues he sacado un nivel que ni siquiera lograba imaginar porque está escrito desde el borbotón.

P: ¿Conseguiste salir de ese hundimiento?

R: Sí. Me di cuenta de que cuando te estás hundiendo, o te enrocas y sigues con el grillete y la piedra que te están hundiendo, o te quitas el grillete y nadas hacia arriba.

P: Y ahora que sales a la superficie estrenas single y videoclip con Beseiscientosdoce.

R: La escribí el día en el que El Principito cumplía 75 años y quería mostrar la visión desde la trampa de ver con óptica infantil el mundo adulto; el descontento y lo insustancial. Parece que la felicidad que nos habían prometido de pequeños no llega nunca y que lo bonito llega de soslayo y lo malo se rumia como si tuviésemos tres estómagos. Me había propuesto hacer ese juego de vestir y maquillar, o incluso al revés, de despojar todo ápice de adultez y llevar todo al mínimo común múltiple. Al final ha sido una fantasía escapista con la que he tenido la suerte de viajar a Islandia para grabar el videoclip, uno de los sitios de mi lista de lugares que necesitaba ver.

P: ¿Por qué Islandia para el videoclip?

R: Islandia parece una península de la tierra, se rigen las mismas reglas pero todo es diferente allí. Llegamos a ver una aurora boreal de tal magnitud que buscamos las coordenadas del sitio y nos las vamos a tatuar. Para mi este viaje significa un antes y un después.

P: Suena a que Beseiscientosdoce tenía que ser el segundo single sí o sí…

R: El primer single, Caza de pañuelos, era una cosa que yo tenía que gritar a los cuatro vientos desde el asco, y tenía que ser el primero. Luego viene Beseiscientosdoce que me ha suturado de mi situación y de mi separación del mundo tal y como se entiende. Tengo la suerte de que dentro del disco hay otros 8 temas que están a la misma altura pero he querido que la gente se fuese quedando con una idea. Aunque es verdad que no van a ver la imagen completa hasta que no escuchen el álbum completo.

P: Querías gritar desde el asco la letra de Caza de pañuelos aunque luego has declinado todas las entrevistas que te han ofrecido para hablar de ese single.

R: Querían llevarme a programas potentes aunque yo creyese que no debía ir. Lo que hice fue enviar una caja de bombones a cada uno con una nota explicando por qué no quería ir.

P: Y ahora que has sacado el segundo single. ¿A qué programa irías de cabeza?

R: Me encantaría ir a La Resistencia de David Broncano o incluso iría a tocar a Late Motiv.

P: ¿A La Resistencia irías con todo lo que conlleva eso?

R: Sí, sí, sí. Me encantaría.

P: ¿Por qué crees que no se habla de dinero en la industria musical o artística?

R: A lo mejor porque España se rige por la antimeritocracia. Todo radica de la inseguridad. Yo tengo dinero y me va bien. Ya está.

P: ¿Qué crees que opinará la gente si hablas de dinero en La Resistencia?

R: Opinará que está bien ganado. No lo gano ni robando ni mintiendo.

P: ¿Es fácil vivir de la música en España?

R: Es muy difícil. Soy una persona muy afortunada que antes malvivía y que ahora gracias a la música vive mejor. Pero es muy difícil.

P: Y, volviendo a Sinónimo, ¿cuánta vida crees que tendrá tu disco?

R: Toda, y tiro este “hordago” a lo grande sabiendo que la música hoy en día se consume como fastfood gracias o por culpa de las plataformas de streaming que intentan llegar a objetivos internacionales con música insustancial. Pero yo creo que este disco va a llegar lejos.

P: Pues que así sea.

R: ¡Gracias!

Desde ya mismo está disponible Beseiscientosdoce en todas las plataformas digitales y tenéis la información de su nueva gira, Sinónimo Tour, en las redes sociales de Rayden y en la web RaydenOficial.com.

Detrás de las cámaras de Drinking Like I’m Sober

Drinking Like I’m Sober es el primer single de la artista Marina Jade y ha apostado por algo completamente diferente a lo visto hasta ahora.

Marina Jade con la icónica corona de neón del videoclip Drinking Like I’m Sober

Todos conocéis la canción y (espero) todos habéis visto el videoclip que tuvimos la oportunidad de crear desde cero desde Omglobal. El video y la canción hablan, en cierto modo, de la estabilidad mental y de esos jueces interiores que tenemos que critican muchas de las cosas que hacemos, y que terminan haciendo mella en nosotros. Así es como Marina decide enfrentarse a esos “monstruos” y plantarles cara, en una lucha diaria.

El videoclip se divide en cuatro escenarios: la azotea, el estudio, el bosque y el agua; y todos están elegidos por un motivo en concreto.

· Azotea: En la azotea vemos a la Marina más real. Apenas lleva maquillaje y canta directamente a la cámara. Los momentos más personales de la canción se cantan en este escenario y la luz azul fría de relleno pasa únicamente a un segundo plano, en la ciudad del fondo, para dejar paso únicamente a una más cálida sobre Marina.

· Estudio: El estudio es la antítesis de la azotea. Marina lleva en todo momento maquillajes estrambóticos y looks muy recargados, que aportan a la escena un motivo artificial y poco cercano. ¿Sabéis esa sensación de, a pesar de estar pasando por un mal momento, guardarnos todo en nuestro interior y fingir estar bien de cara al público? Eso es exactamente lo que representa este escenario. Dentro de este contexto, hay muchas escenas diferentes cada una con su significado, pero os dejamos a vosotros intentar descubrirlos.

· Bosque: El bosque es la parte más literal de la canción. Marina habla de sus monstruos en el estribillo de la canción, y en el bosque es donde se enfrenta a ellos. Los monstruos se representan con máscaras en lugar de con un aspecto de monstruo tradicional, porque toman el papel de todo tipo de odio, tanto el que nos lanzamos a nosotros mismos como el que nos lanzan otras personas (por ejemplo en internet).

· Agua: El agua, aunque está grabado en una piscina, busca transmitir la sensación de amplitud y relajación. Marina flota sumida en sus pensamientos y sin distracciones ajenas; hablando consigo misma y siendo sincera en sus ideas. El color oscuro que rodea todo ayuda a representar esa sensación de “vacío” pero también induce la idea de que esos pensamientos pueden no ser siempre positivos.

El videoclip al completo se grabó en un par de días, con jornadas que acababan a las tantas de la mañana, pero fue en sí misma toda una experiencia. Llevaba mucho tiempo queriendo dirigir un videoclip y ahora podéis ver el proceso que seguimos:

María cambia la palabra “mariconez” en OT por tratarse de un término homófobo

Dos de los jurados del programa, Joe y Ana Torroja, critican por redes sociales la decisión de la joven

Para la gala número cuatro del programa Operación Triunfo los concursantes María y Miki cantan “Quédate en Madrid” del grupo Mecano. La polémica surgió cuando María se negó a cantar la palabra “mariconez”, ya que es un término homófobo y no se siente a gusto con la palabra.

“Yo entiendo que eran otros tiempos”, dice la joven. Las redes sociales han ardido, unos aplaudiendo la decisión de María y otros tachándola de tener una piel fina y ser una ofendida. Lo más sorprendente es que dos de los jurados del programa, Joe y Ana Torroja, se han unido a la crítica. Siendo Ana Torroja vocalista de Mecano en su momento, cobra todo más fuerza.

Sendos jueces afirman que la palabra no es homófoba pues el contexto social no es el mismo, y están escandalizados puesto que este tipo de cambios afectan directamente a la propiedad intelectual de las canciones. Según ellos, en ningún caso deberían aceptarse cambios de ningún tipo sin consultar con el autor.

Los fans han respondido con más preguntas: ¿Entonces está bien que Alfonso cantara All of me en castellano, alterando la letra sin consultar a John Legend? ¿Y el tema que cantan en esta gala Alba y Natalia, Toxic de Britney Spears, que también ha sido modificado, por qué no protestáis sobre ese?

Es curioso que tachen a María de ofendidita, cuando los que han reaccionado y se han ofendido han sido Joe y Ana Torroja. María no se ha ofendido en ningún momento: ella ha considerado que la palabra “mariconez” es un insulto y ha decidido hacer un cambio por respeto.

Si algo tenemos claro es que la gala número cuatro, por elección de temas, Albalia, y ahora la decisión de María, va a dar mucho que hablar.

Actualización: Tras la decisión tomada por María y Miki de cambiar la palabra “mariconez” por “estupidez”, el compositor de la canción José María Cano, siendo conocedor de la polémica, se ha puesto en contacto con la academia y ha prohibido la modificación, obligando así a los concursantes a utilizar la palabra original.

 

Las favoritas para ganar Operación Triunfo 2018 son mujeres

Twitter por fin estaba de acuerdo en algo: el nivel de las chicas de Operación Triunfo 2018 es muy superior al de los chicos

Si algo quedó bastante claro en la Gala 0 de Operación Triunfo 2018 es la superioridad femenina. Si bien muchos de los candidatos masculinos son favoritos, las mujeres nos dejaron a todos con la boca abierta por el nivel que demostraron en la primera gala.

Es cierto que es muy pronto para augurar nada, pero la gente en Twitter ya se ha agenciado a sus concursantes favoritos tras la primera gala. Los 16 concursantes de la academia demostraron que merecen estar ahí con las canciones que eligieron, sin embargo, las apuestas femeninas fueron las que más dieron que hablar.

Fueron ellas quienes más arriesgaron, o mejor eligieron. Desde “Dangerous Woman” por Alba Reche hasta la sorprendente “River” por Noelia levantaron ovaciones en Twitter. Los chicos optaron por canciones más sencillas, “buen rolleras” así como para septiembre, y pasaron más desapercibidos.

Personalmente, he oído mucho sobre Dave y Famous, las grandes apuestas masculinas. Aunque los dos tienen voces muy interesantes, ellas parecen ser las favoritas de todos. Y tú, ¿tienes un favorito?

Entrevista a Ruth Lorenzo: “¿Si no censuran a un hombre por qué censuran a una mujer?”

Hablamos con la cantante de su opinión sobre el panorama musical actual y su lado más personal.

La artista Ruth Lorenzo

La conocemos como la chica que defendió a España en Eurovision 2014 con Dancing In The Rain, como la chica de la que Judi Dench se declaró públicamente fan tras participar en la edición británica de Factor X y quedar entre los 5 finalistas con unas audiencias de 11 millones de personas y como la aventurera que mandó su currículum a la NASA para ofrecer ser la primera persona en viajar a Marte.

PREGUNTA: Pero, ¿quién es Ruth Lorenzo?

RUTH: Si yo lo supiera… Ruth Lorenzo era una chavala de quince años con ganas de cantarle al mundo pero cuanto más mayor me hago más me doy cuenta de que no sé quién soy ahora. Sigo descubriéndome a mi misma cada día.

P: En ese descubrimiento diario si algo tienes claro es que ¿eres más artista o cantante?

R: ¡Artista! Porque la artista no deja de ser una artesana y yo soy artesana de lo que hago. Me gusta elaborar la minucia, ver todo al detalle y adentrarme en ello hasta sacarle todo el jugo que pueda tener. Crear un principio y conseguir un final.

P: Y como cantante, ¿te sientes más de Good Girls Don´t Lie o de Cucurrucucú?

R: Todos llevamos muchos colores dentro de nosotros y cada canción muestra uno de esos colores. Cucurrucucú soy yo en mi casa caminando por el pasillo y cantando sola.

P: ¿Y no es ese el momento más verdadero?

R: ¡Sí! Pero luego me meto a la ducha y lo doy todo con Good Girls Don´t Lie. Pero es verdad que muchas veces me encuentro cantando canciones que me producen nostalgia.

P: ¿Nostalgia sobre qué?

R: No te lo sé decir. Creo que es simplemente un sentimiento que siempre he tenido dentro y con el que me identifico. Yo me acuerdo que cuando me iba a ir a vivir a Estados Unidos e hicimos el viaje en coche desde Murcia al aeropuerto de Madrid escuchábamos a José Luis Perales, uno de mis artistas preferidos. Me acuerdo estar mirando por la ventana de atrás llorando como una descosida viendo las montañas de Murcia disiparse en el horizonte hasta que se convierten en parte del cielo y dejas de verlas. Ese tipo de nostalgia.

P: ¿Y ese momento qué canción tiene?

R: El Amor y Cuando Vuelvas de José Luis Perales. En Estados Unidos viví muchas cosas pero una de las que más me punzaron el corazón fue la nostalgia del pasado y la de los sueños del futuro. Cuando soñaba en llenar un estadio mientras reponía latas de ketchup en un almacén. Esa imagen tan dura es mi nostalgia.

P: ¿Entonces por qué cantaste Cucurrucucú en la última gira?

R: Es una canción que me llega al alma y con la que me identifico muchísimo porque la letra tiene nostalgia. “Dicen que por las noches, no más se le iba en puro llorar, dicen que no comía, no mas se le iba en puro tomar…”. Es una maravilla.

P: Convencido por dos amigos, una tarde de primavera terminé en la pista de uno de tus conciertos de la gira, y cuando cantaste Cucurrucucú no había pañuelos suficientes para socorrerme.

R: ¿Ves?, eso es nostalgia. No estamos locos cuando hablamos de sentimientos y conexiones. Lo que más me mueve es ese tipo de conexión y emoción. Por eso digo que a mi se me entiende cuando se me ve en directo. Soy el tipo de artista que por la tele puede parecer estúpida pero cuando vienes a verme cantar en directo soy cercana a mi arte. Me he manchado las manos creando mi música y solo sé exponerla de la misma manera.

Ruth para El Periódico

P: ¿Es posible sentir nostalgia por algo que no hemos vivido?

R: Totalmente.

P: ¿De qué época sientes nostalgia?

R: Yo me quedé en la época de 1950 a 1970. Me siento muy identificada con su música y con su grito a la libertad que no se tenía en esos momentos.

P: ¿Libertad personal o la de la mujer?

R: Libertad en cuanto a forma de expresión. Las canciones de Bob Dylan hablan de esa libertad que no se puede conseguir, de las guerras absurdas como fue la de Vietnam… Janis Joplin, Eric Clapton… Son letras muy reivindicativas y a mi me gustan esos movimientos que te llevan a una acción.

P: ¿Y qué reivindicas tú?

R: El amor al arte porque lo vivo en mis carnes. Un artista solo necesita hacer arte. Reivindico la pasión hacia la música y hacia lo que persevere en el tiempo. Somos tan volátiles y fugaces que no podemos permitirnos el lujo de hacer cosas que no perduren y por eso creo que la gran mayoría de la gente quiere tener hijos; para perdurar y dejar su huella. Para mí Loveaholic (mi álbum) es mi hijo.

P: Como artista que eres, ¿en la industria musical se te ha penalizado por ser mujer?

R: Pienso que sí. Lo digo y a lo mejor no me vuelven a coger el teléfono, pero ser mujer es una putada. Si eres mujer y tienes las cosas claras te tachan de engreída y prepotente, si explotas tu físico entonces eres una puta y si decides no pintarte ni subirte a unos tacones ya eres una marimacho…

P: ¿Las mujeres empoderadas molestan?

R: Sí. Algunos habrán tenido madres empoderadas y les habrán cogido manía. Hemos vivido una sociedad muy machista durante muchos años aún así agradezco haber nacido en un país como España y no en Arabia Saudí, pero aún nos queda mucho recorrido.

P: ¿Crees que se debe separar al artista de su creación?

R: ¿Por ejemplo?

P: ¿Me puede gustar una canción de Maluma sabiendo que él es machista?

R: Eso ya está en la cabeza de cada uno. Es difícil porque la moralidad es una linea muy fina. ¿Maluma ha salido a la calle y ha dicho “¡soy machista!” o simplemente sus canciones se interpretan como tal?

P: No creo que sea cosa de interpretar.

R: Si te tengo que ser 100% sincera no me sé ninguna canción de Maluma. A lo mejor eso es lo malo que tengo, que solo me centro en lo que me gusta. Pero si la letra habla de obscenidades y deja a la mujer en una situación degradante no me gustaría que mi sobrina de seis años escuchase esa música.

P: ¿Por qué Maluma puede cantar lo que quiera y a Becky G. se le censura una frase en una actuación de la televisión pública?

R: Es una gran putada.

P: ¿Que te censuren o tener la letra que tiene Becky G?

R: ¿Si no censuran a un hombre por qué censuran a una mujer?

P: Porque la mujer empoderada molesta.

R: Eso es. De todos modos tampoco quiero que mi sobrina de seis años escuche la letra de Becky G. Y no se trata de censura, se trata de que debería llevar un “+18”.

P: ¿Qué cantantes no van a estar nunca en tus listas de Spotify?

R: Nunca digas nunca, porque ya me ha pasado en varias ocasiones…

P: ¿Por ejemplo?

R: Yo dije que nunca iría a Eurovision y también dije que no me volvería a presentar a un programa musical después de hacer el casting para OT y de que me hubiesen dicho que no.

P: Hemos visto que no te gusta perder el tiempo… Acabas de componer una canción junto a otra artista.

R: He tenido la oportunidad de trabajar con Marina Jade. Fíjate que cuando yo vi OT creí que ella iba a ser una de las que más lejos llegaría en el programa pero se quedó por el camino como muchos compañeros. Tiene un talento enorme y me ha encantado componer con ella. Yo he aportado mis ingredientes y lo hemos cocinado juntas.

P: Y si tuvieses que definir la canción en una sola palabra, ¿cuál sería?

R: Joy.

Tras intercambiar media hora de conversación con ella podemos decir que ahora la conocemos más y que tenemos muchísimas ganas de escuchar la canción que ha compuesto junto a Marina Jade y de ver todo lo que tiene preparado para su futuro profesional.

Adiós, Aretha

Nuestro homenaje personal a la reina del Soul.

Aretha Franklin ha fallecido a los 76 años

El 16 de agosto tiene un tinte negro desde hace cuarenta y un años. En 1977, Elvis Aaron Presley, fallecía en la que había sido su casa de Memphis desde los 22 años. Ese día murió un icono de la música y se terminó de consolidar una leyenda que perdura hasta nuestros días. El Rey nos dejaba.

Ayer, también dieciséis de agosto, tras unos días de preocupación por su estado de salud, Aretha Franklin se despedía de nosotros. Esta no será una crónica de su muerte al estilo periodístico porque, en primer lugar, no soy periodista y, en segundo lugar, no creo que pudiera dejar de lado del trazo personal. 

Aretha es historia de la música y una figura que miles de artistas han seguido como faro para su recorrido. Raro es que alguien no sepa valorar lo que hacía esta mujer. Su voz, que iba desde lo más alto a lo más bajo en segundos, era única. Un registro que nadie podrá igualar. Pero quizás quedarse en la técnica de Aretha sea hasta banal, dado que eso no era lo más especial de la Reina del Soul. Ella transmitía. Cada palabra que salía torpedeada de su garganta chocaba con el alma de quien la escuchaba y la rompía en mil pedazos. Su sola presencia ya hacía que te encogieses anticipando lo que estaba por venir. Aretha era puro sentimiento.

Desde pequeño, la música ha formado parte de mi vida de una manera importante. Siempre sorprendía el hecho de que, mientras el resto de las chicas y chicos de mi edad escuchaban a grupos como los derivados de las telenovelas Rebelde, yo anduviese con las recopilaciones de los Beatles en mi primer reproductor mp3. Y no solo eran los Beatles. Aretha estaba ahí, junto con su ahijada Whitney Houston o la prima de esta, Dionne Warwick, dado que el soul siempre ha estado muy presente en mi casa. Tenemos discos de Steve Wonder, Roberta Flack o Barry White que han sonado hasta la saciedad, algunos de los cuales ya no se pueden oír de lo rayados que están. Pero más allá de la cultura musical que haya adquirido con el paso de los años, creo que lo más importante son las sensaciones ligadas a ciertas canciones y que se repiten cada vez que suenan.

Aretha Franklin en los años 60

Muchos recordarán a Aretha por Think y por Respect, dos canciones revolucionarias por muchos motivos, pero principalmente por ser himnos feministas durante la época en que se cantaron. También lo fue Sisters Are Doin’ It For Themselves, un dueto entre la reina y Annie Lennox, una de las mejores cantantes del llamado “soul blanco” y gran activista contra el SIDA. Más visceral fue su A Natural Woman, canción cuya interpretación en los premios Kennedy puso a todo el público en pie e hizo llorar al expresidente Barack Obama. Pero yo, si me tengo que quedar con una, me quedo con I Say A Little Prayer porque siempre me llevará de vuelta a los viajes al norte que hacía con mi familia. Me traerá a la mente pasar el puerto de Altube, todo verde e imponente, sonando su voz de fondo. Esa sensación de felicidad porque estábamos cerca de nuestro destino, unido al ritmo de la canción y la increíble voz de Aretha, es una de las cosas más bonitas que me llevo de ella. Y quizás sea solo un pequeño momento de vida que para nada puede compararse con las revelaciones que habrán tenido muchos otros con su música. Puede que ellos os puedan ofrecer algo más significativo y profundo, pero creo que esto se parece más a lo que la mayoría siente y recordará.

Tanto Aretha como Elvis fueron los reyes en sus respectivas carreras. Movieron masas, arrancaron sentimientos, alegraron corazones y se convirtieron en leyendas. Cada uno les recordará a su manera, ya sea por una canción en particular, por un momento concreto de su vida, por una persona… Pero, aunque ya no estén entre nosotros, su música y sus almas vivirán siempre que le demos al “play”.