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Crítica de “Puñales por la espalda”: misterio, comedia y Daniel Craig

Da igual qué tipo de película te guste: esta es para ti.

El Cluedo convertido en película.

El 29 de noviembre se estrena en los cines “Puñales por la Espalda” (“Knives out” en inglés), una película dirigida por Rian Johnson y protagonizada, entre otros, por Daniel Craig, Chris Evans, Jamie Lee-Curtis y Ana de Armas. Un gran elenco que se ve envuelto en este juego de asesinos cuando el patriarca de la familia, Harlan Thrombey, es hallado muerto en su estudio el día después de su 85º cumpleaños.

Cuando esto ocurre, todo el mundo piensa que se trata de un suicidio. Pero tú y yo sabemos que esto no sería una película de Cluedo si esto fuera así de fácil. Daniel Craig interpreta al flamante detective Benoit Blanc, que ha sido contratado anónimamente para resolver el crimen del octogenario (misterioso, en efecto).

Ahora bien, no puedo revelar mucho porque si no no tendría sentido que os recomendara esta película. Así que voy a hacerlo ya: ved esta película. Tanto si eres fan de las películas de misterio como si no, esta película es para ti. Es muy satisfactoria de ver, te va dejando pistas más fáciles o más difíciles. Sin embargo, el misterio de “¿Quién ha sido?” no es lo más interesante de la película porque es algo que se revela bastante antes de lo que estamos acostumbrados.

Es una película divertida, consciente de su género cinematográfico, muy agradable de ver. Visualmente funciona, es adecuada a la época porque en ella se tratan temas sociales aunque muy, muy por encima; son apenas guiños o pequeñas puñaladas más que crítica social desarrollada. Y si la veis en versión original: el acento de Daniel Craig.

No creo que sea una película trascendental, ni de esas que se convierten en películas de culto. De hecho, no sé por qué, me da que va a pasar bastante desapercibida a pesar del gran elenco. Ojalá no sea así. No me cansaré de decirlo: id a verla. Fui con varios amigos al cine y a todos nos gustó mucho, todos coincidimos en que es una película para todos. ¡Apuesta segura!

 

Reseña de Frozen 2: ¿Una buena secuela?

¡Sin spoilers! (Solo los justos para poder hablar de la película, lo prometo)

Elsa y Anna vuelven a ser protagonistas indiscutibles de la secuela.

Este día 22 de noviembre de 2019 llega la esperada secuela del gran éxito de Disney, Frozen 2. Con una canción que marcaría toda una generación, “Let It Go” (“Suéltalo” en castellano) sería el nuevo himno de Disney. Frozen 2 tenía el listón muy alto para hacer frente a su anterior éxito. La pregunta es: ¿lo han conseguido?

En Frozen podemos ver el increíble vínculo entre las hermanas Elsa y Anna, y en esta secuela lo reafirman. Las dos hermanas han rehecho su vida, pero Anna sigue muy pendiente de Elsa para asegurarse de que no va a perderla otra vez. Cualquiera diría que debería estar menos paranoica, pero Elsa le da razones para sospechar: en los primeros momentos de la película podemos observar que Elsa oye una voz que la llama, pero decide ocultárselo a Anna “para no estropearlo todo”.

Elsa preocupada por la voz que escucha | Disney

En esta película se trata la gran pregunta: ¿de dónde vienen los poderes de Elsa? La ciudad de Arendelle está en peligro, y las dos hermanas deciden emprender un viaje para salvar su hogar, sin saber que descubrirían mucho más de su pasado. Kristoff, Sven y Olaf se unen a la aventura, por supuesto.

Como siempre, exploremos las cosas que me han gustado y las que no. Empecemos por las buenas:

La banda sonora, otra vez un sobresaliente. Las canciones están bien repartidas y tienen un gran poder y presencia en la película. Son muy potentes, muy pegadizas, y sales con ganas de volver a escucharlas. No sé si llegarán a ser tan populares como “Let It Go”, pero “Show Yourself” e “Into the Unknown” tienen un huequito en mi corazón.

Olaf. Nunca pensé que diría esto, pero Olaf me ha encantado en esta película. Yo era de esas que odiaban el personaje, he de admitir. No me caía bien, y el corto de 20 minutos antes de Coco sobre Olaf me perseguía en mis peores pesadillas. Pero en esta película Disney ha hecho autocrítica y esta vez el personaje hace gracia. Gracia de verdad, no solo para vender un peluche y sacar risas a los niños de dos años. Ojo a Olaf, que está muy bien en Frozen 2.

¡El humor! Otro indicativo de que Disney ha hecho autocrítica es que se ríen de ellos mismos, y toda la sala de cine parecía estar de acuerdo. La película es muy divertida y fue algo que me sorprendió gratamente porque no lo esperaba.

Pasemos a lo que no me ha gustado.

El guion, como Frozen, flojea. Tienen una buena -buenísima- historia para contar y, sin embargo, no lo hacen bien. Todo está muy apresurado, como si tuvieran prisa. Se saltan la primera norma de guion: enseña, ¡no cuentes! Durante toda la película tenemos a Anna o a Olaf comentando lo que está pasando, y llevándonos de la mano para asegurarse de que lo hemos entendido todo. Es como Christopher Nolan pero versión infantil. Y Anna también sabe siempre qué hacer, casi sin pistas y sin contexto. Podemos tener a Ruth Lorenzo encerrada en una escape room durante 24 horas pero Anna de Frozen sabe en 30 segundos cómo resolver todo obstáculo que se le pone por delante.

Toda la película se basa en un concepto que es mentira: que el agua tiene memoria. Además de ser falso, es peligroso soltar este tipo de enunciados como verdaderos en una película para niños porque este es el principio en el que se basa la explicación de las propiedades curativas de la homeopatía.

¡Y hasta aquí puedo contaros! Han pasado seis años desde Frozen, pero sin duda es una película que merece la pena ir a ver. ¿Quién más tiene ganas?

“Doctor Sueño”: secuela de “El Resplandor” o la fantasía del director

Basada en la novela homónima de Stephen King, llega la secuela de “El Resplandor” al cine.

Ewan McGregor es la versión adulta de Danny Torrance.

Anoche fui al cine a ver el nuevo estreno de cine de terror: “Doctor Sueño”, dirigida por Mike Flanagan y protagonizada por nuestro guaperas favorito: Ewan McGregor. Aviso ya porque no quiero dejar dudas: no he leído “El Resplandor” ni “Doctor Sueño”, las novelas de Stephen King en las que se basan las películas. Así que vengo a juzgar la película como tal.

Antecedentes: tenía muchas ganas de ver la película. No soy especial fan de “El Resplandor” pero oye, la película es muy chula, muy clásica, inquietante y visualmente espectacular. Antes de ver el tráiler de “Doctor Sueño” no sabía que esto era una novela que continuaba “El Resplandor”, así que al ver las pistas en el tráiler me quedé muy loca y con ganas por ver cómo continuaba la historia.

Me había informado un poquito, lo suficiente, de esta película antes de entrar a verla. Tenía especial ganas porque está dirigida por Mike Flanagan. Flanagan es conocido por hacer películas de miedo y terror más bien poco conocidas, no han llamado especialmente la atención de la gente. Pero también es conocido por hacer recientemente la serie de Netflix “La maldición de Hill House”. Y por esto tiene un hueco en mi corazón, porque es una serie que me atrapó por completo y que me hizo obligar a todos mis conocidos a verla con ellos, uno por uno, para asegurarme de que no se la perdieran.

Así que cuál es mi sorpresa al sentarme en la sala de cine, esperando una secuela de “El Resplandor”, cuando me encuentro una excusa. Ahora, no quiero decir que sea una excusa mala. Me parece fascinante lo que se ha hecho con esta película. Y, ahora sí, comienzan los spoilers tanto de esta película como de “La maldición de Hill House”.

“Doctor Sueño” comienza en 1980, con una niña pequeña, Violet. 1980 es la fecha en la que sale y se basa “El Resplandor”, así que es algo significativo. Es cuando Danny Torrance vive todo el terror en el hotel “The Overlook”. La niña en cuestión va a buscar flores y se encuentra con una mujer en el bosque, llamada Rose. Esta niña es interpretada por la actriz con el mismo nombre Violet McGraw. Violet McGraw dio vida a la pequeña Nelly en Hill House.

Ahora, esto puede ser casualidad, porque Flanagan necesitaba a una niña que interpretara a Violet en su guion y eligió a esta niña con la que ya había trabajado. Pero sabiendo que fue Flanagan quien escribió el guion de “Doctor Sueño” y que no se menciona a ninguna “Violet” en el libro de Stephen King (lo acabo de buscar gracias a Google), mi teoría favorita es que esta es la primera pista para que relaciones esta historia con la serie de Hill House.

Rose (Rebecca Ferguson) la mujer con la que se encuentra, es increíblemente parecida a Carla Gugino, Olivia en Hill House. Para mí es otra conexión, o simplemente que Flanagan tiene debilidad por las mujeres con ojos claros y pelo castaño. Pero continuemos con la chicha.

Rose y su equipo de malotes inmortales se dedican a matar niños “que resplandecen”, que brillan, que tienen algún tipo de poder. Niños como Danny Torrance. Los torturan y se alimentan de ellos. Esto los hace casi inmortales. Hace que vivan durante mucho tiempo. Pero tienen que seguir matando y torturando niños para ello o, de lo contrario, envejecerán y morirán. Es en 2011 cuando se cruzan con Abra Stone.

Abra Stone es una niña adolescente con grandes poderes. Curiosamente, Abra puede hablar con Danny Torrance que, ya mayor, no está en su mejor momento. Sumido en el alcohol, que utiliza para mitigar sus demonios y traumas del pasado, decide rehabilitarse en un pequeño pueblo. Y habla a distancia con Abra, que no sabe muy bien qué está haciendo, pero que tener un amigo en la distancia con el que se comunica a través de sus poderes es algo que le parece divertido.

Voy a resumir aquí: los malotes detectan el poder de Abra, deciden ir a por ella, pero ella se entera de quiénes con y de que torturan niños y se lo cuenta a Danny. Le pide vengar a todos esos niños y matar a esos torturadores para terminar con todo este sufrimiento. Danny al principio pasa, porque tiene muchos problemas, pero luego decide que es mejor ir a por ellos porque matar niños no está bien.

Pero ahora en serio, la chicha. La chicha del asunto es el modo en que Flanagan ha relacionado Hill House con “El resplandor”. Recordemos que Hill House es una casa con vida propia, con fantasmas que ahí murieron que se alimentan de sus habitantes, de los más vulnerables. Se alimentan de ellos y los arrastran a vivir allí para siempre. La casa es un cuerpo, y la Habitación Roja es el estómago, que digiere a las personas. 

Danny Torrance describe en esta película el Hotel Overlook como un lugar con vida propia, que absorbe a quien lo habita. No sé si usa las mismas palabras que en Hill House, pero es claramente un paralelismo. En el mundo existen lugares así, Hill House es uno, y The Overlook es otro. Y así es como Mike Flanagan expande su fantasía de Hill House con una de las películas clásicas de terror de nuestro cine, porque son del mismo universo.

Además, siendo Flanagan director de películas de terror, cabe pensar que “El resplandor” sea una de sus películas favoritas. Debe haber sido absolutamente increíble recrear varias de sus escenas favoritas, construir los mismos decorados, cambiar y alterar, poner tu granito de arena en una de las historias más famosas del cine y novela de terror.

¿Cosas que flojean? Por supuesto. Algunas. No entiendo muy bien cómo funciona el aparato que los malotes usan para capturar la esencia de los niños a los que matan. No necesito el manual de instrucciones, pero era algo muy fácil. Y tampoco me encanta que me pinten a Rose como la villana más poderosa del mundo pero que no dé tanta guerra como esperaba.

Dicho esto, me lo he pasado en grande viendo esta película. ¿Qué opináis vosotros?

No me ha gustado ‘Joker’ y estas son las razones

Todd Phillips intenta elevar su dirección con un resultado algo mediocre.

La película “Joker”, de Todd Phillips, está arrasando en cartelera. Todos aclaman esta nueva versión de uno de los villanos más conocidos, esta vez interpretado por Joaquin Phoenix. Pero, sin embargo, la crítica está dividida. Aunque al público general parece agradarle, la gente más entendida en cine tiene opiniones dispares.

Yo tampoco soy una eminencia del cine, y ya sabéis que mis críticas aquí son bastante informales. Por eso quiero explicaros qué me gusta y qué no me gusta de esta nueva película del Joker.

Hablemos primero de las aspiraciones de esta película. Todd Phillips, el director, intenta dar un giro a su carrera cinematográfica tras haber dirigido películas como “Resacón en Las Vegas”, “Juego de armas” o “Starsky y Hutch”. El año pasado producía una película distinta que tuvo mucho éxito: “Ha Nacido una Estrella” (con Lady Gaga y Bradley Cooper, que además fue el director).

Joker es, sin duda, un giro. Acostumbrado a películas de comedia, todas bastante similares entre ellas, llega con la promesa de un Joker con gran influencia de Martin Scorsese. Son como dos ingredientes fáciles, ¿no? Muy fácil de vender a un público cinéfilo.  ¿Cómo no va a gustarte Martin Scorsese? ¡Y el Joker! Luego vemos que las influencias se basaban, sobre todo, en la obvia comparación de Joker con Travis (Robert De Niro) en “Taxi Driver” y claras referencias a “El Rey de la Comedia”, también con Robert De Niro dirigido por Scorsese.

En esta película de “Joker” el protagonista es Arthur, un hombre que sufre porque el mundo lo trata mal. Además de que no está en el mejor momento de su vida en cuanto a salud mental, siente que su propósito en la vida es hacer feliz al mundo, pero le cuesta mucho porque todo el mundo es cruel con él: desde las personas que le discriminan por su condición médica hasta el sistema, que le quita todas las ayudas y medicamentos. Es otro elemento muy sencillo con el que empatizar: el maltrato de la sociedad.

El personaje, como tal, es absolutamente plano. No tiene aspiraciones, más que “hacer feliz a la gente”, ser comediante. Pero no es gracioso. No puede ni contar un chiste por su condición, en la que suelta carcajadas. No evoluciona en toda la película, excepto al final, cuando de repente tiene un traje impecable y hecho a medida, y consigue soltar un monólogo antisistema en directo en su programa de televisión favorito. Acto seguido, asesina a lo que hasta ahora había sido su figura paterna platónica. De repente tiene una pistola y es alguien totalmente nuevo, esto no puedo comprarlo como “evolución”. Es además una película más de un “genio torturado”, un incomprendido y maltratado por la sociedad.

La fotografía es de manual de thriller: fría, oscura, misteriosa. Además de las referencias a las películas de Scorsese ya mencionadas. Y la música es pomposa, indicándote en cada momento qué sentir, por si tenías alguna duda. La película te va guiando, juega y manipula al espectador de un modo bastante insultante con un “copia y pega” de elementos que son “de películas buenas”.

Pero si no es por Joaquin Phoenix, esta película sería tremendamente aburrida. Lo más interesante de “Joker” es el actor protagonista, que es brillante. Su risa, sus miradas, la transformación que tuvo que hacer para el papel. La película se cae sin Phoenix, y eso es un símbolo de alerta importante. Si lo mejor de una película es el actor… bueno, es que la película no merece mucho la pena más allá de ello.

Sobre las teorías de la película no voy a ha hablar, porque para eso está Twitter. Yo salí del cine bastante contenta con la película pero, en perspectiva, no la volvería a ver. Además, que vamos a hartarnos de ver disfraces de Halloween del Joker y eso ya es bastante como para exasperarme mucho.

 

Yesterday: Nuestra review de la película

¿Qué pasaría si todo el mundo olvidase a los Beatles?

Yesterday, de Danny Boyle.

Todo el mundo conoce a The Beatles y, de una forma u otra, ha escuchado alguna vez sus canciones. ¿Pero qué pasaría si esto dejase de ser así? Esta es la premisa de la nueva película de Danny Boyle, Yesterday, que llega a los cines este viernes 28 de junio.

Sin entrar en detalle, tras un apagón a nivel mundial, el hasta ahora fracasado músico Jack Malik se da cuenta de que los Beatles se han borrado de la historia, nunca han existido, pero él recuerda todas las canciones. Y haciendo uso de esta información, su carrera como músico dará un vuelco completo. Aunque la trama de la película pueda parecer que se va a apoyar en explicaciones complejas de ficción, la realidad es que se trata de una película especialmente simple. Y ahí reside su encanto.

¿Qué más da por qué ocurre el apagón? ¿Qué más da por qué solo él recuerda la historia? ¿Qué más da todo? En la película ni lo explican ni se siente necesario, porque lo importante es el argumento. Es un clásico “¿qué pasaría sí?” contado de una manera sencilla pero magistral. En cierto modo Yesterday no deja de ser una comedia romántica musical, que disfrutarás especialmente si conoces bien la música del grupo ya que está plagada de referencias e indirectas más allá de sus momentos musicales.

Pero es precisamente el punto de romántico el que se siente más como algo innecesario; y no porque no aporte, sino porque el papel de Lily James como Ellie Appleton está construido en su totalidad sobre el mismo concepto aburrido (y sexista) de siempre: una mujer cuyo mayor objetivo en la vida es que su amor sea correspondido. Si bien es cierto que hay un momento muy específico de la película donde esta idea parece romperse, rápidamente vuelve a caer en lo mismo. Y es verdaderamente una pena porque el potencial del personaje de Ellie da pie a haber sido mucho más interesante, aunque podría haber complicado una trama ya de por sí simple.

Jack Malik (Himesh Patel) y Ed Sheeran en Yesterday | Universal Pictures

En cualquier caso, Yesterday es una película que hace reír, pensar e incluso capaz de sacarte alguna lágrima. Y con un reparto de lujo. Por un lado da gusto ver a un personaje protagonista de rasgos indios sin que su principal característica sea ser indio; y, por otro, hace especial ilusión ver el pequeño papel de Ed Sheeran y de James Corden.

Esta película es especialmente buena en reírse de sí misma. Ed Sheeran se ríe de sí mismo constantemente, hay una mofa constante a la industria musical (mencionando explícitamente a Universal Music, siendo una película de Universal Pictures) y, en general, está plagada de momentos de humor.

Yesterday se suma, muy a su manera, a la oleada de películas basadas en la música de grandes artistas de los 60-80 como Bohemian Rhapsody o Rocketman, que vuelven a revivir grandes hitos musicales y te hacen salir del cine inevitablemente cantando.

“Rocketman”, el biopic de Elton John: “Un prodigio del género musical”

Rocketman, dirigida por Dexter Fletcher | Paramount Pictures

Acostumbrados en los últimos años a las películas biográficas de diferentes personalidades relevantes, uno puede entrar en la sala de cine dispuesta a ver Rocketman pensando que va a ver un nuevo añadido a esta lista de biopics. Pero nada más lejos de la realidad. Rocketman es, por encima de todo, un musical.

Al igual que otros grandes musicales del mundo cinematográfico, como Chicago o Grease, la narrativa de Rocketman está constantemente apoyada en sus momentos musicales que hacen avanzar la trama, y en todos los adornos visuales que, obviamente, no ocurrirían en mundo real. Así pues, es importante saber lo que se va a ver y no esperar, en ningún caso, un drama realista cargado de emoción.

Sin embargo, Rocketman sí que consigue emocionar. La gran mayoría de nosotros conocemos el personaje y la música de Elton John, pero no tantos somos conscientes de su historia hasta llegar a ser el icono que es a día de hoy. Una serie de profundas adicciones al sexo, la droga y el alcohol, sumado a una terrible relación familiar con sus padres, marcaron una carrera cargada de genialidad con momentos abrumantemente oscuros.

Todo esto se refleja en la película, la cual destacó por encima de las demás en el reciente festival de Cannes, pero es cierto que ese carácter musical impide profundizar realmente en algunos aspectos. Sí, vemos que la carencia de afecto por parte de su padre le ha marcado, pero no llegamos a indagar en las consecuencias que esto tiene en su etapa adulta. Lo mismo ocurre con el hecho de que su único pilar aparente en su niñez fue su abuela, algo que intuimos por el contexto pero que no vemos siquiera en el inevitable momento de la muerte de esta, que no llega ni a mencionarse en la película; o la boda del cantante con Renate Blauel, de quién se divorció cuatro años más tarde y que en la película pasa, literalmente, en menos de 3 minutos. Realmente hubiese sido muy interesante profundizar en otros aspectos dramáticos de su vida, más allá del ya mencionado sexo, drogas y alcohol.

Desde la composición de planos hasta el diseño de vestuario, Rocketman es una fantasía visual.

Pero, a pesar de esto, la película es una obra de arte. La actuación de Taron Egerton en el papel principal es algo sublime; casi tanto como el hecho de que todas las canciones están cantadas por él. No escuchamos al verdadero Elton hasta los créditos finales, y eso es digno de destacar. La sorprendente voz de Egerton te mete de lleno en el universo musical de Elton John, y es inevitable moverte en la butaca al ritmo de la música.

Visualmente, no se queda corta tampoco. Su carácter de musical le permite jugar con combinaciones visuales oníricas únicas, ya sea bajo el agua quitando la gravedad de una sala de conciertos. Uno de los momentos que más me sorprendió y que sirvió de antesala para el estilo de la película fue durante la infancia de Elton John. El niño prodigio está en su habitación, leyendo partituras e imaginándose la música en su cabeza, cuando de repente pasamos a un contexto de fantasía musical en la que el crío coge la lintera que estaba utilizando para leer y la utiliza para dirigir una orquesta imaginaria. El haz de luz ondeante comienza a iluminar una supuesta orquesta completa a los pies de su cama, creando un juego de luces y sombras realmente sorprendente. Y, como decía, es solo la punta del iceberg de todo lo que esta película tiene que aportar a nivel visual y narrativo.

Rocketman es todo un homenaje a la vida y carrera de Elton John (y su compañero compositor Bernie Taupin, interpretado por Jamie Bell) que te transporta más allá de tu butaca. Si conoces a Elton, esta película será una delicia para ti; y si su música y su vida te son desconocidos, prepárate para descubrir un universo increíble. Es un prodigio del género musical que marcará a todas aquellas personas que disfruten de la película.

Rocketman se estrena el 31 de mayo en todos los cines.

Review: Ralph Rompe Internet

Salir de las máquinas recreativas es lo mejor que le ha pasado a Ralph

La manera en la que internet está representada en esta película es uno de sus puntos más fuertes.

El pasado domingo 18 de noviembre, Disney presentó su nueva película Ralph Rompe Internet en un pase exclusivo en los cines Capitol de Madrid. Antes que en ningún otro lugar del mundo, los asistentes pudieron disfrutar de la película en todo su esplendor.

Todo tipo de celebrities, influencers, medios y profesionales del sector acudieron al evento, encontrando en sus asientos un gracioso primer guiño a la película: tenían que aceptar las cookies; pero en este caso eran una pequeña caja de cartón con un botón que, al presionarlo, desvelaba un par de cookies (galletas) reales para disfrute del espectador. Mucho más de agradecer que las cookies de las páginas web.

Toni Aguilar fue el maestro de ceremonias de la presentación, que tras una pequeña introducción dio paso al videoclip de la canción original Slaughter Race, interpretada en España por la artista Melo Moreno (a quien entrevistamos recientemente en Omglobalnews). La canción oficial de la película, que todos los espectadores podrán escuchar durante los créditos, es un envoltorio electrónico perfecto para un película totalmente basada en internet como Ralph Rompe Internet.

Tras la intervención de Melo, y para sorpresa de todos, los dos directores y el productor de la película salieron a escena. Rich Moore, Phil Johnston y Clark Spencer hicieron un rápido repaso del proceso creativo detrás del proyecto, algo que nosotros ya habíamos podido vivir de primera mano en los estudios Disney de Los Angeles. Y con ello, comenzó la película.

Cada detalle de internet está adaptado a una situación real.

Ralph Rompe Internet retoma la historia de Ralph y Vanellope seis años después de los acontecimientos de la primera película. Ambos viven vidas perfectas en el salón recreativo de Litwak pero que, con el tiempo, han comenzado a volverse rutinarias. Para Ralph esto es algo ideal, pero Vanellope quiere más. Ya se conoce las pistas de su juego de carreras como la palma de su mano y necesita un nuevo reto. En un momento dado el volante del juego se rompe y para evitar que desconecten la máquina, Ralph y Vanellope deciden adentrarse en internet con el objetivo de hacerse con un volante en eBay.

Con esto se da pie a la aventura que ambos viven en una increíble versión de internet. Los artistas detrás de la película han conseguido trasladar a la perfección cada elemento de la red a un universo físico y palpable. Los tweets, por ejemplo, son pájaros azules que sueltan mensajes, los molestos anuncios pop-up son vendedores de la calle que te persiguen allá donde vayas, o el algoritmo de una famosa plataforma de vídeo está personificado en un personaje que en cada escena siempre lleva un look cambiante a la moda. Todo está pensado una y mil veces hasta el punto en el que la historia casi adopta un segundo plano para el espectador, que solo quiere conocer más y más rincones de la adaptación de internet a este mundo.

Muchas de las voces de las princesas originales se han reunido de nuevo para esta película.

Sin duda alguna, uno de los momentos más divertidos tanto de los tráilers como de la película es la intervención de las princesas Disney. Es sorprendente como Disney ha sabido mirarse a sí misma desde fuera y plasmar su lado más afilado en esta película. Por ejemplo, ver a Bella reconocer indirectamente que su historia parte de un secuestro es algo que no te esperas. En general todo el mensaje de las princesas parte de un punto feminista y absolutamente empoderador para las más pequeñas; y es algo que se agradece enormemente.

Ralph Rompe Internet es probablemente una mejor película que la primera entrega, y con una moraleja nunca antes vista en un trabajo de Disney. Muy pocas veces el estudio ha sacado segundas partes y en muy pocas películas todo el público aplaude a lo largo de varios momentos; y esta película cumple ambas cosas. Todo en ella es entretenido y divertido, como por ejemplo los miles de easter eggs y cameos que podréis encontrar a lo largo del largometraje. En la versión en castellano hay también pequeñas intervenciones de algunas personalidades de internet que ponen voz a algunos personajes. Porexpan (Paloma Gil), redactora en este medio, tiene un pequeño cameo que os animamos a intentar encontrar. Y quedaos hasta el final de los créditos, porque encontraréis algo que sin duda no esperáis.

Ralph Rompe Internet se estrena en los cines el 5 de diciembre y, creedme, no os la queréis perder.

Review de Millennium: Lo que no te mata te hace más fuerte

Esta película no me mató pero me hizo más fuerte

Hace unos días pude disfrutar de la nueva película de Millennium: Lo que no te mata te hace más fuerte. La novela en la que se basa no fue escrita por el autor Stieg Larsson a causa de su temprana muerte, pero esto no detuvo la saga ya que había apuntes para varios libros más. Fue David Lagercrantz quien escribió Lo que no te mata. Pero hablemos de la película en sí.

Es el director Fede Álvarez el encargado de orquestar esta entrega, sin una estética destacable ni gracia. La película me pareció un mejunje de elementos que no terminan de mezclarse, no encajan entre sí. Si la película se salva por algo es por Claire Foy, la actriz que da vida a Lisbeth Salander.

Para empezar, tenemos la traducción a castellano de The girl in the spider’s net a Lo que no te mata te hace más fuerte. La película tiene muchos planos de arañas y poco más, porque nada más refleja que Lisbeth esté atrapada en una tela de araña. Ni literal, ni metafóricamente. Pero la traducción no es culpa de la película, es algo que viene de la novela.

¿Quién es el antagonista de esta película? Nos presentan a varios personajes: el geek de la NSA al que Lisbeth roba un programa informático, una agente de seguridad, una organizacion rusa que trabajaba con el padre de Lisbeth e, incluso, la hermana de Lisbeth. Hermana que, por cierto, al empezar la película Lisbeth dice que está muerta para que cuando se descubra que es la antagonista máxima sea un plot twist tremendo.

El mcguffin que mueve a los personajes es de risa: un software que permitirá tener el control sobre misiles militares internacionales. Y todo el mundo quiere ese software de repente. Además, este sofware tiene una contraseña cambiante que nadie sabe averiguar, la única persona capaz de abrir el sofware es el hijo del programador. Lo cual, personalmente, lo veo poco práctico porque se te muere el hijo y adiós al trabajo de tu vida. Bueno, él sabrá. El plot twist de que el niño es la clave de todo estaba presentado de modo que pretendía sorprender, y no lo consiguió. Era muy obvio.

Hablemos de la hermana de Lisbeth, porque no tiene dos dedos de frente. Es difícil hacer antagonistas sin ningún tipo de carisma o gracia, pero este está logrado. Su vestuario, además, me causa una sensación de amor-odio. Primero viene el odio, porque viste entera de rojo. Es un color muy agresivo, muy de: queremos que sepas que es la mala de la peli porque lleva un traje rojo muy bien planchado. Además, destaca mucho sobre el blanco de la nieve de la mayoría de planos, así que más agresivo aún.

Quiero pensar que la iban a poner de blanco por el ajedrez, pero la nieve haría que destacara poco. Esto es porque Lisbeth y su hermana juegan al ajedrez en la primera escena de la película, Lisbeth jugando con las negras y su hermana con las blancas. Finalmente escogieron el rojo por temas de contraste fotográfico, pero entonces podrían haber puesto un ajedrez distinto para que la gente pillara la referencia. No sé, yo creo que es porque pensaron solamente que el rojo molaba más y ya. Disappointed but nor surprised.

Conclusión: es entretenida. Y nada más. Tiene unas escenas de acción que no está mal, pero no vayas esperando un peliculón. Si quieres ver un thriller diferente, mejor Un pequeño favor. El guion es regular, no hay sorpresas de ningún tipo, la fotografía tampoco es nada destacable. Yo esperaría a que la pusieran en Antena 3 un domingo.

Mentes Poderosas: la película más incómoda que he visto nunca

Mentes Poderosas es la nueva película adolescente, y nunca antes había sentido tanta vergüenza ajena en el cine.

Ayer fui a ver Mentes Poderosas (The Darkest Minds), la primera parte de lo que parece va a ser una trilogía adolescente distópica basada en la novela de Alexandra Bracken. No he leído la novela, así que voy a juzgar tan solo la película.

En un mundo donde los adolescentes contraen una enfermedad que les da poderes, son llevados a “campamentos” donde les categorizan por colores según sus habilidades. Los verdes, azules y dorados poseen inteligencia superior, sabiduría y control de la electricidad. Los naranjas y rojos tienen poderes más letales y son automáticamente eliminados.

Ruby (Amandla Stenberg), muy triste porque está en un campo de concentración para niños. Esto no se lo podemos reprochar.

Nuestra protagonista, Ruby, es una Naranja que consigue convencer a todos de que es Verde para que no la maten. Y aquí comienza todo. Una vez la trama avanza un poco y se encuentra con el que será su grupo de amigos para el resto del largometraje, al momento sabemos quién es el sujeto de interés amoroso. No porque sea el guapo aspirante a próximo Ryan Gosling con labios de piñón, sino porque Ruby y el chico, Liam (Harris Dickinson), no dejan de flirtear de la manera más incómoda posible.

Había momentos en los que tenía que taparme los ojos de lo incómoda que me sentía: hay una escena incluso en la que se ponen a tope con una sesión en vivo de rol: “Imagina que estamos en la playa… tú tienes unas gafas de sol enormes y estás guapísima. Yo solo puedo fijarme en ti cuando te acercas con el sol en tu piel”. En comparación con esta película, el beso entre Harry Potter y Cho Chang fue una obra maestra del ligoteo adolescente. Incluso las transiciones de Mamma Mia 2 son menos incómodas.

Liam: Gryffindor, guapo, alto y un penas.

Estaría bien si me vendieran la película como un romance, pero se anuncia como Ciencia-Ficción, de los creadores de Stranger Things y Arrival. Pero si toda la película se basa en frases incómodas y momentos forzados entre estos dos chicos, pues oye. Además, en el poco tiempo que Ruby y Liam se conocen ya se crea una relación un poco tóxica por parte de él: se ofende cuando ella se hace amiga de otro chico, le echa en cara que no le bese, se hace el penas… Eso sí, todo acompañado con música muy indie y luces de navidad para darle el toque de Generación Z.

Luego está el malo, que en cuanto aparece ya sabes que va a ser él porque tiene todo el peinado de votar a Ciudadanos. Me encantaría decir unas cuantas cosas sobre este sujeto, pero me temo que el spoiler sería máximo, aunque no sería para tanto teniendo en cuenta que lo ves venir porque el argumento de esta película es de lo más básico.

Clancy Gray (Patrick Gibson), el hijo del presidente. Siempre le dijeron que era muy especial.

En conclusión, es una película bonita a la vista. Tiene canciones chulas, los actores son todos muy guapos y sale una actriz de Juego de Tronos. Pero es predecible, cursi, y no conseguí conectar con los personajes. Lo único que me hizo sentir algo fueron los jalapeños de los nachos que me comí en el cine.

Los Increíbles 2 es lo que llevábamos 14 años esperando

La familia más increíble de todas vuelve catorce años después para deleite de los ya no tan jóvenes.

La familia Parr al completo.

Los Increíbles 2 se estrena mañana, 3 de agosto, en los cines de toda España. Y sí, si vives fuera de este país pensarás que es extraño ya que en cualquier otro lado del mundo lleva más de un mes en cartelera. Pero quiénes somos nosotros para juzgar la maquinaria de Disney, así que nos hemos resignado a esperar.

Sin embargo, he tenido la gran suerte de poder asistir al pre-estreno de esta película en España haciendo que la espera se me hiciese más corta. Disney suele hacer pases exclusivos para todas sus películas, ya sea en sus oficinas o en cines comerciales más grandes, para que prensa e influencers puedan ser los primeros en vivir la experiencia. Y la verdad es que menos mal que lo hacen.

Este maravilloso póster fue una de las primeras imágenes promocionales.

Cuando escuche hace unos años que esta película estaba en producción, no pude contener la emoción. Con 10 años, tras el estreno de la primera película, me volví un fan incondicional de la familia Parr y de sus superpoderes. Coleccionaba todo lo coleccionable sobre Los Increíbles, jugué a todas las versiones del videojuego y veía la película una vez por semana. Incluso llegué a hacerme mi propia versión de un traje de superhéroe por si tenía que salvar el mundo en alguna ocasión. Ese amor por los superhéroes se ha mantenido hasta el día de hoy, con todo el universo Marvel, y Los Increíbles siempre tuvieron un bonito lugar en mi infancia. Así que cuando catorce años más tarde pude ver la segunda parte, mi emoción y mis expectativas estaban completamente por las nubes.

La película comienza en el mismo punto donde termina la primera, intentando hacer que nos olvidemos de la larga década y media de espera, y desde ese punto avanza la historia cargada de acción. Algunas de las actrices y actores que ponían voz en castellano han cambiado, inevitablemente, y si eres muy nostálgico con la primera película, se nota. Aún así, hacen un trabajo de doblaje espectacular y completamente a la altura.

Lo que sí es cierto es que durante toda la película se tiene el sentimiento general de que no está hecha pensando principalmente en las nuevas generaciones que puedan verla sino en aquellas que vimos la original catorce años atrás. En varias ocasiones la película toma un tono un tanto oscuro o, al contrario, hace un tipo de humor que un niño no terminaría de entender. Al final de la película, sin hacer spoiler, hay un chiste en particular que o bien mi grupo de amigos y yo somos un tanto mal pensados o bien aquello no era un chiste. En cualquier caso, el humor es un elemento principal y todos los niños de la sala se reían a carcajadas sin parar.

Elastic Girl demuestra todo su potencial en esta entrega.

El mensaje de la película no es para menos, haciendo una crítica muy interesante a un determinado comportamiento de la sociedad. Esto que os voy a contar no lo consideraría un spoiler, pero si preferís no saber nada de la trama saltad al siguiente párrafo. El villano de la película deja claro desde el principio que la sociedad vive demasiado pendiente de lo banal y se pierde aquello que va más allá (una crítica al uso de dispositivos portátiles de hoy en día); y en un momento en particular decide dar el típico monólogo de villano sobre sus intenciones. Mientras el discurso ocurre de fondo, en escena vamos siguiendo a Elastic Girl y es increíblemente sencillo olvidarse del monólogo que suena y perderte en lo que ocurre en escena. Es una manera maravillosa de hacernos ver que el discurso del villano cobra sentido en directo.

Mr. Increíble no lo es tanto con los niños.

Además de humor y momentos oscuros, la película transmite un mensaje increíble de empoderamiento de la mujer. No solo rompe constantemente con los roles de género que la sociedad atribuye al “padre de familia” y a la “madre de la casa”, sino que nos muestra un lado de Mr. Increíble que no vimos en la primera película. En Los Increíbles, Mr. Increíble era el encargado de sacar adelante a la familia mientras su mujer cuidaba de los niños y de la casa; y en el único momento donde le veíamos “romperse” era cuando pensaba que había perdido a su familia. En esta secuela vemos a un Bob Parr con una masculinidad sorprendentemente frágil, al que le cuesta aceptar que su mujer esté liderando y viviendo determinados trabajos mientras él se tiene que quedar en casa haciendo lo mismo que ella hizo en la película anterior. Esta situación en la película es especialmente cómica ya que el protagonista del momento es Jack-Jack, el hijo más joven de la familia y del que no descubrimos que tenía poderes hasta los últimos momentos de la anterior entrega. El bebé esconde muchos secretos y será el que más situaciones hilarantes aporte durante todo el metraje.

En definitiva, se trata de una película maravillosa para todos los públicos, tanto los más pequeños como para aquellos que llevábamos años esperando esta película. Sin ninguna duda estará a la altura de las expectativas, y tras la experiencia adquirida por Disney con Marvel, no me cabe duda de que veremos más entregas de la franquicia de Los Increíbles.

Los Increíbles 2 se estrena en cines de España el 3 de agosto.