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Crítica de “Puñales por la espalda”: misterio, comedia y Daniel Craig

Da igual qué tipo de película te guste: esta es para ti.

El Cluedo convertido en película.

El 29 de noviembre se estrena en los cines “Puñales por la Espalda” (“Knives out” en inglés), una película dirigida por Rian Johnson y protagonizada, entre otros, por Daniel Craig, Chris Evans, Jamie Lee-Curtis y Ana de Armas. Un gran elenco que se ve envuelto en este juego de asesinos cuando el patriarca de la familia, Harlan Thrombey, es hallado muerto en su estudio el día después de su 85º cumpleaños.

Cuando esto ocurre, todo el mundo piensa que se trata de un suicidio. Pero tú y yo sabemos que esto no sería una película de Cluedo si esto fuera así de fácil. Daniel Craig interpreta al flamante detective Benoit Blanc, que ha sido contratado anónimamente para resolver el crimen del octogenario (misterioso, en efecto).

Ahora bien, no puedo revelar mucho porque si no no tendría sentido que os recomendara esta película. Así que voy a hacerlo ya: ved esta película. Tanto si eres fan de las películas de misterio como si no, esta película es para ti. Es muy satisfactoria de ver, te va dejando pistas más fáciles o más difíciles. Sin embargo, el misterio de “¿Quién ha sido?” no es lo más interesante de la película porque es algo que se revela bastante antes de lo que estamos acostumbrados.

Es una película divertida, consciente de su género cinematográfico, muy agradable de ver. Visualmente funciona, es adecuada a la época porque en ella se tratan temas sociales aunque muy, muy por encima; son apenas guiños o pequeñas puñaladas más que crítica social desarrollada. Y si la veis en versión original: el acento de Daniel Craig.

No creo que sea una película trascendental, ni de esas que se convierten en películas de culto. De hecho, no sé por qué, me da que va a pasar bastante desapercibida a pesar del gran elenco. Ojalá no sea así. No me cansaré de decirlo: id a verla. Fui con varios amigos al cine y a todos nos gustó mucho, todos coincidimos en que es una película para todos. ¡Apuesta segura!

 

Reseña de Frozen 2: ¿Una buena secuela?

¡Sin spoilers! (Solo los justos para poder hablar de la película, lo prometo)

Elsa y Anna vuelven a ser protagonistas indiscutibles de la secuela.

Este día 22 de noviembre de 2019 llega la esperada secuela del gran éxito de Disney, Frozen 2. Con una canción que marcaría toda una generación, “Let It Go” (“Suéltalo” en castellano) sería el nuevo himno de Disney. Frozen 2 tenía el listón muy alto para hacer frente a su anterior éxito. La pregunta es: ¿lo han conseguido?

En Frozen podemos ver el increíble vínculo entre las hermanas Elsa y Anna, y en esta secuela lo reafirman. Las dos hermanas han rehecho su vida, pero Anna sigue muy pendiente de Elsa para asegurarse de que no va a perderla otra vez. Cualquiera diría que debería estar menos paranoica, pero Elsa le da razones para sospechar: en los primeros momentos de la película podemos observar que Elsa oye una voz que la llama, pero decide ocultárselo a Anna “para no estropearlo todo”.

Elsa preocupada por la voz que escucha | Disney

En esta película se trata la gran pregunta: ¿de dónde vienen los poderes de Elsa? La ciudad de Arendelle está en peligro, y las dos hermanas deciden emprender un viaje para salvar su hogar, sin saber que descubrirían mucho más de su pasado. Kristoff, Sven y Olaf se unen a la aventura, por supuesto.

Como siempre, exploremos las cosas que me han gustado y las que no. Empecemos por las buenas:

La banda sonora, otra vez un sobresaliente. Las canciones están bien repartidas y tienen un gran poder y presencia en la película. Son muy potentes, muy pegadizas, y sales con ganas de volver a escucharlas. No sé si llegarán a ser tan populares como “Let It Go”, pero “Show Yourself” e “Into the Unknown” tienen un huequito en mi corazón.

Olaf. Nunca pensé que diría esto, pero Olaf me ha encantado en esta película. Yo era de esas que odiaban el personaje, he de admitir. No me caía bien, y el corto de 20 minutos antes de Coco sobre Olaf me perseguía en mis peores pesadillas. Pero en esta película Disney ha hecho autocrítica y esta vez el personaje hace gracia. Gracia de verdad, no solo para vender un peluche y sacar risas a los niños de dos años. Ojo a Olaf, que está muy bien en Frozen 2.

¡El humor! Otro indicativo de que Disney ha hecho autocrítica es que se ríen de ellos mismos, y toda la sala de cine parecía estar de acuerdo. La película es muy divertida y fue algo que me sorprendió gratamente porque no lo esperaba.

Pasemos a lo que no me ha gustado.

El guion, como Frozen, flojea. Tienen una buena -buenísima- historia para contar y, sin embargo, no lo hacen bien. Todo está muy apresurado, como si tuvieran prisa. Se saltan la primera norma de guion: enseña, ¡no cuentes! Durante toda la película tenemos a Anna o a Olaf comentando lo que está pasando, y llevándonos de la mano para asegurarse de que lo hemos entendido todo. Es como Christopher Nolan pero versión infantil. Y Anna también sabe siempre qué hacer, casi sin pistas y sin contexto. Podemos tener a Ruth Lorenzo encerrada en una escape room durante 24 horas pero Anna de Frozen sabe en 30 segundos cómo resolver todo obstáculo que se le pone por delante.

Toda la película se basa en un concepto que es mentira: que el agua tiene memoria. Además de ser falso, es peligroso soltar este tipo de enunciados como verdaderos en una película para niños porque este es el principio en el que se basa la explicación de las propiedades curativas de la homeopatía.

¡Y hasta aquí puedo contaros! Han pasado seis años desde Frozen, pero sin duda es una película que merece la pena ir a ver. ¿Quién más tiene ganas?

Los Destacados | Los puñales vuelan hacia Omai

Se palpa la tensión en el ambiente.

En este episodio de nuestro podcast Los Destacados by Omglobalnews se palpa la tensión en el ambiente. Para empezar, hablamos de la nueva canción de Billie Eilish: everything i wanted.

Y retomamos la sección de los tráilers de película que no te puedes perder, empezando por el rediseño de Sonic en su nueva película. Tras el desastre en la propuesta de diseño del popular personaje de videojuegos, el estudio se vio obligado a rediseñar por completo a Sonic en la película y acercarle más al concepto que todo el mundo recuerda.

También comentamos el potencial de las últimas series como See o Servant en la plataforma de AppleTV+ y, durante todo el programa, las indirectas y los puñales vuelan sin parar hacia Omai.

Escucha ya el nuevo episodio en Spotify, Apple Podcasts o cualquiera de tus plataformas preferidas y no olvides suscribirte para no perderte todos los programas.

No me ha gustado ‘Joker’ y estas son las razones

Todd Phillips intenta elevar su dirección con un resultado algo mediocre.

La película “Joker”, de Todd Phillips, está arrasando en cartelera. Todos aclaman esta nueva versión de uno de los villanos más conocidos, esta vez interpretado por Joaquin Phoenix. Pero, sin embargo, la crítica está dividida. Aunque al público general parece agradarle, la gente más entendida en cine tiene opiniones dispares.

Yo tampoco soy una eminencia del cine, y ya sabéis que mis críticas aquí son bastante informales. Por eso quiero explicaros qué me gusta y qué no me gusta de esta nueva película del Joker.

Hablemos primero de las aspiraciones de esta película. Todd Phillips, el director, intenta dar un giro a su carrera cinematográfica tras haber dirigido películas como “Resacón en Las Vegas”, “Juego de armas” o “Starsky y Hutch”. El año pasado producía una película distinta que tuvo mucho éxito: “Ha Nacido una Estrella” (con Lady Gaga y Bradley Cooper, que además fue el director).

Joker es, sin duda, un giro. Acostumbrado a películas de comedia, todas bastante similares entre ellas, llega con la promesa de un Joker con gran influencia de Martin Scorsese. Son como dos ingredientes fáciles, ¿no? Muy fácil de vender a un público cinéfilo.  ¿Cómo no va a gustarte Martin Scorsese? ¡Y el Joker! Luego vemos que las influencias se basaban, sobre todo, en la obvia comparación de Joker con Travis (Robert De Niro) en “Taxi Driver” y claras referencias a “El Rey de la Comedia”, también con Robert De Niro dirigido por Scorsese.

En esta película de “Joker” el protagonista es Arthur, un hombre que sufre porque el mundo lo trata mal. Además de que no está en el mejor momento de su vida en cuanto a salud mental, siente que su propósito en la vida es hacer feliz al mundo, pero le cuesta mucho porque todo el mundo es cruel con él: desde las personas que le discriminan por su condición médica hasta el sistema, que le quita todas las ayudas y medicamentos. Es otro elemento muy sencillo con el que empatizar: el maltrato de la sociedad.

El personaje, como tal, es absolutamente plano. No tiene aspiraciones, más que “hacer feliz a la gente”, ser comediante. Pero no es gracioso. No puede ni contar un chiste por su condición, en la que suelta carcajadas. No evoluciona en toda la película, excepto al final, cuando de repente tiene un traje impecable y hecho a medida, y consigue soltar un monólogo antisistema en directo en su programa de televisión favorito. Acto seguido, asesina a lo que hasta ahora había sido su figura paterna platónica. De repente tiene una pistola y es alguien totalmente nuevo, esto no puedo comprarlo como “evolución”. Es además una película más de un “genio torturado”, un incomprendido y maltratado por la sociedad.

La fotografía es de manual de thriller: fría, oscura, misteriosa. Además de las referencias a las películas de Scorsese ya mencionadas. Y la música es pomposa, indicándote en cada momento qué sentir, por si tenías alguna duda. La película te va guiando, juega y manipula al espectador de un modo bastante insultante con un “copia y pega” de elementos que son “de películas buenas”.

Pero si no es por Joaquin Phoenix, esta película sería tremendamente aburrida. Lo más interesante de “Joker” es el actor protagonista, que es brillante. Su risa, sus miradas, la transformación que tuvo que hacer para el papel. La película se cae sin Phoenix, y eso es un símbolo de alerta importante. Si lo mejor de una película es el actor… bueno, es que la película no merece mucho la pena más allá de ello.

Sobre las teorías de la película no voy a ha hablar, porque para eso está Twitter. Yo salí del cine bastante contenta con la película pero, en perspectiva, no la volvería a ver. Además, que vamos a hartarnos de ver disfraces de Halloween del Joker y eso ya es bastante como para exasperarme mucho.

 

Zombieland: Mata y Remata | Review

Llega la secuela diez años más tarde.

He tenido la oportunidad de ver Zombieland: Mata y Remata (Double Tap en su versión original), la secuela de la aclamada comedia de zombies que se estrenó hace ya diez años, y he salido decepcionado.

Sin ninguna duda, la primera película de Zombieland sorprendió; su ruptura constante de la cuarta pared, su edición dinámica y casi caricaturesca, y la buena química entre Columbus (Jesse Eisenberg) y Tallahassee (Woody Harrelson) hicieron que una temática tan sobre explotada como el apocalipsis zombie se sintiese totalmente fresca. Pero han pasado 10 años, y la secuela no ha sabido adaptarse.

Dirigida también por Ruben Fleischer, la película lleva cocinándose desde 2010 tras el éxito de la original. Por diferentes problemas se fue atrasando, y los propios actores llegaron a decir que no le veían mucho sentido a hacer una secuela tras tanta espera. Sin embargo, el 18 de octubre llega a los cines hecha realidad retomando la trama un poco más tarde que los sucesos originales.

El cuarteto vuelve a ser el protagonista de esta segunda parte.

Ahora, con más control sobre la supervivencia en Zombieland y más unidos que nunca, Columbus, Tallahassee, Wichita (Emma Stone) y Little Rock (Abigail Breslin), se instalan en la Casa Blanca como una especie de familia peculiar. Pero todo cambia cuando Wichita y Little Rock deciden marcharse sin avisar, a vivir su vida. A partir de este punto empieza la trama de Zombieland: Mata y Remata, y toda ella transmite la sensación de ser un “quiero y no puedo” de la anterior versión.

Todos los personajes son cien veces más cargantes que antes, todas sus decisiones se basan en intereses del guión pero en ninguna lógica, y hay escenas que literalmente están ahí por rellenar la película. Por ejemplo, y sin entrar demasiado en spoilers, en un momento dado el cuarteto está buscando un vehículo y localizan un autobús/caravana increíblemente atractivo. Allí tiene lugar una batalla sangrienta contra los zombies con intención de conquistar el autobús, solo para pinchar sus ruedas en el instante siguiente a ganarla. El autobús queda “inservible” (aunque estoy seguro de que debería haber una rueda de repuesto en el maletero) y vuelven al punto de origen anterior a la escena. Es decir, puro relleno. Sí que es cierto que aprovechan para recalcar el mensaje de que ha aparecido un nuevo tipo de zombie más resistente e inteligente; un mensaje que nos repiten varias veces en la película y que no requería de la escena del autobús para confirmarlo; pero que, a pesar de ello, pasa sin pena ni gloria en la trama de la película. Sí, los zombies de élite aparecen en algunos momentos, pero literalmente podrían ser zombies normales y no habría afectado a la trama de ninguna manera.

Y luego están los estereotipos. Entiendo que es una película que no busca tener una trama compleja ni un humor profundo, pero recurrir al tópico de “mujer rubia, guapa y tonta” para cubrir el puesto de saco de boxeo del paternalismo de los demás personajes es algo que parece más propio de la década pasada que de esta. Lo mismo ocurre con los hippies, un movimiento social que tiene bastante peso en la trama de la película, pero que se presenta bajo el estereotipo anticuado de consumidores excesivos de marihuana, pacifistas que prefieren cantarle una canción al zombie a defenderse, y que funden todas las armas para hacer collares de la paz.

La película parece una parodia de sí misma, pero es posible que exista un público al que pueda ir dirigida y funcionar. Si lo que buscas es ir al cine y desconectar durante un par de horas sin pretender sacar nada de la película, igual Zombieland: Mata y Remata cumple la función. Pero si disfrutaste con la primera película y esperabas ir al cine para encontrar algo a la altura, es mejor que te quedes en casa.

Review de “El Rey León”: una maravillosa tecnología

“El Rey León” es un increíble -pero efectivo- alarde por parte de la productora.

Cada detalle de la película está creado por ordenador y perfeccionado al milímetro.

El 18 de julio se estrena en cines “El Rey León“, el remake de la famosísima película de Disney, esta vez dirigida por Jon Favreau (Elf, Iron Man). Somos muy afortunados y en Omglobalnews la hemos podido ver unos días antes, así que voy a comentaros qué me ha parecido. Como no hay peligro de spoilers (voy a asumir que todos habéis visto El Rey León de 1994), aviso ahora de que hay “spoilers”.

Lo que más llama la atención de esta versión es que todo, absolutamente todo, está hecho a ordenador. Hasta la última brizna de césped ha sido renderizada de manera óptima, y choca pensar que no haya algo “real” ahí plantado. Sí que es cierto que los animales hablando y cantando no son demasiado realistas ni especialmente expresivos al ceñirse demasiado a los gestos reales del reino animal, pero era algo que ya nos esperábamos. La película goza, sin embargo, de unos planos absolutamente preciosos de escenarios, atardeceres, charcos (sí, el movimiento del agua es espectacular y me fascina) y es un gran punto a favor: es muy bonita.

Además, la película cuenta con un reparto de lujo. Beyoncé, Donald Glover, Chiwetel Ejiofor, John Oliver. Sin embargo, uno de los mayores atractivos de la película (Beyoncé en el papel de Nala) es algo que a mí, personalmente, me sobra. Mientras todos los personajes están en su línea interpretativa correcta, Nala va haciendo unos gorgoritos en las canciones como para que no te olvides de que no es Nala, sino Beyoncé.

Una de las críticas que más he escuchado es “que no aporta nada”, más allá de la técnica con la que está hecha. Y es que la película es un calco de la de 1994. De hecho, la canción incial de “El ciclo sin fin” es tal cual, exactamente los mismos planos, incluso los créditos iniciales, idéntica a la original. Esto puede ser algo bueno o algo malo. Al fin y al cabo, hacerla tan parecida ha sido una decisión consciente. “El Rey León” es uno de los grandes clásicos, y han decidido dejarla tal cual.

Entonces, ¿por qué hacerla? Pues para alardear. Porque pueden. Porque tienen a Beyoncé y hacen que hasta la más pequeña hormiga parezca real. Y porque la película tiene 25 años y hay que mantenerla viva, ya que todos los parques temáticos de Disneyland se basan en estas películas. Además, muchas veces se hacen este tipo de productos audiovisuales con estas tecnologías solo para ser los primeros en hacerlo, para marcar un antes y un después en el sector. Se nos olvida que el cine es una industria.

Aún así, “El Rey León” ha superado mis expectativas. No ha sido tan incómodo como pensaba que iba a serlo el ver a leones “reales” cantar. La música me ha transportado a mi infancia, a cuando veía la película sin saber del todo lo que estaba contando, y me ha hecho llorar encontrando en mí sentimientos que no sabía que tenía. O sea, yo sé que daba pena la muerte de Mufasa, pero ahora se le da otra vuelta y otra perspectiva ganada con los años. Que llevéis pañuelos, vaya. Timón y Pumba han ganado mucho con este remake. Si ya me gustaban antes, ahora más. Las bromas son más actuales y hay guiños muy buenos dentro del propio universo Disney. Quien no ha salido tan bien parado ha sido Rafiki, que parece perder gracia y personalidad; y el propio Scar. Sigue siendo igual de intimidante, pero la expresividad del de dibujos animados era insuperable. Ya, lo sé, era un dibujo. Pero ya que lo estoy comentando todo, pues lo digo. Además, su canción (“Preparáos“), ha sido reducida a un discurso rítmico y poco más. Si te gustaba esa canción, es un poco decepcionante.

En general, he salido muy contenta. Me ha entretenido, me ha hecho reír, he llorado, me ha sorprendido y he rememorado tiempos mejores en los que no tenía que preocuparme por pagar el alquiler. Ha cumplido su función. No hay mucho más que pedirle a una película Disney.

La elección de Halle Bailey como Ariel en La Sirenita levanta controversia

Ataques racistas hacia la actriz Halle Bailey por ser elegida para interpretar a Ariel en la nueva película de Disney.

Ayer por la noche salía en España la noticia de que la actriz y cantante Halle Bailey había sido elegida para protagonizar la nueva película live-action de Disney de “La Sirenita y esta mañana nos hemos despertado con las reacciones de la gente al enterarse.

Había rumores de que Zendaya estaba siendo considerada para este papel, pero finalmente ha sido Halle Bailey. Las opiniones de Twitter han sido incendiarias, sobre todo porque las negativas estaban cargadas de comentarios racistas. No hay más que ver las respuestas al tuit de la propia Halle, donde algunos la comparan con la llama de “El Emperador y sus locuras“.

Muchos otros hablan de “que no pega nada” para el papel, que Ariel tiene que ser blanca, con una melena pelirroja. O con un “¿qué pasaría si Mulán fuera caucásica, o Moana blanca?”. El origen de estos personajes sí afecta a la historia, al contexto y al lugar donde se desarrollan las películas. Que Ariel sea blanca o no, o el color de su pelo, es totalmente irrelevante en el film de Disney.

No conocemos quién interpretará al resto de personajes, aunque han sonado los nombres de Lady Gaga y Melissa McCarthy como posibles candidatas para el papel de Úrsula. La película incluirá canciones originales de la película de 1989, además de otros completamente nuevos a cargo de Alan Menken, compositor de la banda sonora original, y Lin-Manuel Miranda.

Por si aún no habéis escuchado nada de Chloe x Halle, os dejamos un vídeo para empezar a conocer a quien será la nueva Ariel en Disney.

Spider-man Lejos De Casa: review sin spoilers

Spider-man Lejos de Casa: una coda necesaria para el final de la fase 3

Este 5 de julio sale en cines la película “Spider-man Lejos de Casa”, que sería el final de la Fase 3 del MCU. Nosotros hemos tenido la increíble suerte de haberla visto unos días antes de su estreno y esto es lo que nos ha parecido.

Con la muerte de Tony Stark, se ha quedado un increíble agujero en el liderazgo de Los Vengadores, y pesa. Sobre todo le pesa a Peter Parker (Tom Holland), pues ha perdido a su mentor. No solo eso, sino que la prensa se pregunta si es él el nuevo líder de Los Vengadores, cuando él no siente que sea mucho más que el “amigo y vecino Spider-man”, algo así como un superhéroe local. Y aquí es donde comienza la historia, con Peter Parker a punto de embarcarse en un viaje escolar por Europa, por lo cual también estarán MJ (Zendaya) y Ned (Jacob Batalon).

El viaje y cambio de ubicación aporta un elemento diferenciador a lo que hemos visto anteriormente, pues siempre había sucedido todo en Nueva York (o en el espacio). Peter ve este viaje como una oportunidad para pasarlo bien y confersarle sus sentimientos a MJ.

En esta película el tono dramático de Infinity War y Endgame se ve drásticamente rebajado, y volvemos a un Spider-man simpático, entretenido, muy similar al tono de Homecoming. Con algunas capas más tras el trauma del chasquido de Thanos, pero con una trama más ligera que las últimas películas que hemos visto de Marvel. Sin duda la trama de romance de instituto no es muy común en este universo, pero le da un toque de frescura que necesitábamos.

Sin embargo, el romance de Peter y MJ no es el punto central de la película. Han sabido equilibrar bien esta trama con las escenas de acción en las que se lucha con los Elementales, unas criaturas de agua, fuego, tierra y viento que, según nos cuenta Mysterio (Jake Gyllenhaal*), destruyeron su Tierra. Esto abre la puerta al multiverso, como se intuye de las escenas del segundo trailer. Todas las escenas de lucha son sobresalientes, especialmente la última de la película.

Si bien Spider-man Lejos de Casa no tiene un gran peso para el MCU como otras películas, sí que lo tienen sus escenas postcréditos. Y sí, escenas: hay dos. Confío en vosotros pero, por si acaso, hacedme el favor de no levantaros de la butaca hasta que hayan terminado todos los créditos. Ahora solo nos queda preguntarnos… ¿qué nos deparará la Fase 4?

 

*He tenido que buscar en Google el apellido porque creo que nunca podré aprender a escribirlo bien. Ya lo siento.

Yesterday: Nuestra review de la película

¿Qué pasaría si todo el mundo olvidase a los Beatles?

Yesterday, de Danny Boyle.

Todo el mundo conoce a The Beatles y, de una forma u otra, ha escuchado alguna vez sus canciones. ¿Pero qué pasaría si esto dejase de ser así? Esta es la premisa de la nueva película de Danny Boyle, Yesterday, que llega a los cines este viernes 28 de junio.

Sin entrar en detalle, tras un apagón a nivel mundial, el hasta ahora fracasado músico Jack Malik se da cuenta de que los Beatles se han borrado de la historia, nunca han existido, pero él recuerda todas las canciones. Y haciendo uso de esta información, su carrera como músico dará un vuelco completo. Aunque la trama de la película pueda parecer que se va a apoyar en explicaciones complejas de ficción, la realidad es que se trata de una película especialmente simple. Y ahí reside su encanto.

¿Qué más da por qué ocurre el apagón? ¿Qué más da por qué solo él recuerda la historia? ¿Qué más da todo? En la película ni lo explican ni se siente necesario, porque lo importante es el argumento. Es un clásico “¿qué pasaría sí?” contado de una manera sencilla pero magistral. En cierto modo Yesterday no deja de ser una comedia romántica musical, que disfrutarás especialmente si conoces bien la música del grupo ya que está plagada de referencias e indirectas más allá de sus momentos musicales.

Pero es precisamente el punto de romántico el que se siente más como algo innecesario; y no porque no aporte, sino porque el papel de Lily James como Ellie Appleton está construido en su totalidad sobre el mismo concepto aburrido (y sexista) de siempre: una mujer cuyo mayor objetivo en la vida es que su amor sea correspondido. Si bien es cierto que hay un momento muy específico de la película donde esta idea parece romperse, rápidamente vuelve a caer en lo mismo. Y es verdaderamente una pena porque el potencial del personaje de Ellie da pie a haber sido mucho más interesante, aunque podría haber complicado una trama ya de por sí simple.

Jack Malik (Himesh Patel) y Ed Sheeran en Yesterday | Universal Pictures

En cualquier caso, Yesterday es una película que hace reír, pensar e incluso capaz de sacarte alguna lágrima. Y con un reparto de lujo. Por un lado da gusto ver a un personaje protagonista de rasgos indios sin que su principal característica sea ser indio; y, por otro, hace especial ilusión ver el pequeño papel de Ed Sheeran y de James Corden.

Esta película es especialmente buena en reírse de sí misma. Ed Sheeran se ríe de sí mismo constantemente, hay una mofa constante a la industria musical (mencionando explícitamente a Universal Music, siendo una película de Universal Pictures) y, en general, está plagada de momentos de humor.

Yesterday se suma, muy a su manera, a la oleada de películas basadas en la música de grandes artistas de los 60-80 como Bohemian Rhapsody o Rocketman, que vuelven a revivir grandes hitos musicales y te hacen salir del cine inevitablemente cantando.

“Rocketman”, el biopic de Elton John: “Un prodigio del género musical”

Rocketman, dirigida por Dexter Fletcher | Paramount Pictures

Acostumbrados en los últimos años a las películas biográficas de diferentes personalidades relevantes, uno puede entrar en la sala de cine dispuesta a ver Rocketman pensando que va a ver un nuevo añadido a esta lista de biopics. Pero nada más lejos de la realidad. Rocketman es, por encima de todo, un musical.

Al igual que otros grandes musicales del mundo cinematográfico, como Chicago o Grease, la narrativa de Rocketman está constantemente apoyada en sus momentos musicales que hacen avanzar la trama, y en todos los adornos visuales que, obviamente, no ocurrirían en mundo real. Así pues, es importante saber lo que se va a ver y no esperar, en ningún caso, un drama realista cargado de emoción.

Sin embargo, Rocketman sí que consigue emocionar. La gran mayoría de nosotros conocemos el personaje y la música de Elton John, pero no tantos somos conscientes de su historia hasta llegar a ser el icono que es a día de hoy. Una serie de profundas adicciones al sexo, la droga y el alcohol, sumado a una terrible relación familiar con sus padres, marcaron una carrera cargada de genialidad con momentos abrumantemente oscuros.

Todo esto se refleja en la película, la cual destacó por encima de las demás en el reciente festival de Cannes, pero es cierto que ese carácter musical impide profundizar realmente en algunos aspectos. Sí, vemos que la carencia de afecto por parte de su padre le ha marcado, pero no llegamos a indagar en las consecuencias que esto tiene en su etapa adulta. Lo mismo ocurre con el hecho de que su único pilar aparente en su niñez fue su abuela, algo que intuimos por el contexto pero que no vemos siquiera en el inevitable momento de la muerte de esta, que no llega ni a mencionarse en la película; o la boda del cantante con Renate Blauel, de quién se divorció cuatro años más tarde y que en la película pasa, literalmente, en menos de 3 minutos. Realmente hubiese sido muy interesante profundizar en otros aspectos dramáticos de su vida, más allá del ya mencionado sexo, drogas y alcohol.

Desde la composición de planos hasta el diseño de vestuario, Rocketman es una fantasía visual.

Pero, a pesar de esto, la película es una obra de arte. La actuación de Taron Egerton en el papel principal es algo sublime; casi tanto como el hecho de que todas las canciones están cantadas por él. No escuchamos al verdadero Elton hasta los créditos finales, y eso es digno de destacar. La sorprendente voz de Egerton te mete de lleno en el universo musical de Elton John, y es inevitable moverte en la butaca al ritmo de la música.

Visualmente, no se queda corta tampoco. Su carácter de musical le permite jugar con combinaciones visuales oníricas únicas, ya sea bajo el agua quitando la gravedad de una sala de conciertos. Uno de los momentos que más me sorprendió y que sirvió de antesala para el estilo de la película fue durante la infancia de Elton John. El niño prodigio está en su habitación, leyendo partituras e imaginándose la música en su cabeza, cuando de repente pasamos a un contexto de fantasía musical en la que el crío coge la lintera que estaba utilizando para leer y la utiliza para dirigir una orquesta imaginaria. El haz de luz ondeante comienza a iluminar una supuesta orquesta completa a los pies de su cama, creando un juego de luces y sombras realmente sorprendente. Y, como decía, es solo la punta del iceberg de todo lo que esta película tiene que aportar a nivel visual y narrativo.

Rocketman es todo un homenaje a la vida y carrera de Elton John (y su compañero compositor Bernie Taupin, interpretado por Jamie Bell) que te transporta más allá de tu butaca. Si conoces a Elton, esta película será una delicia para ti; y si su música y su vida te son desconocidos, prepárate para descubrir un universo increíble. Es un prodigio del género musical que marcará a todas aquellas personas que disfruten de la película.

Rocketman se estrena el 31 de mayo en todos los cines.