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Mulán de Disney Plus, un enfoque distinto y acertado

Review -con algunos spoilers- de la nueva película de Disney: Mulán

Ayer, día 4 de septiembre, se estrenó en Disney+ la película Mulán, basada en la Balada de Hua Mulan, una leyenda tradicional china. La película ha sido precedida por grandes polémicas y hemos oído hablar mucho de ella antes de su estreno.

En primer lugar, el mundo colapsó cuando se reveló la información de que Mushu, el dragón en miniatura de la película de animación, no iba a aparecer. Tampoco habría canciones y la trama tendría un giro en cuanto a personajes principales y villanos. La segunda polémica fue más reciente: la película no se estrenaría en cines, sino que tendría un coste adicional de 21,99€ para aquellos que estuvieran suscritos a la plataforma Disney+.

Por fin llegó el esperado día de estreno y la película estaba sujeta a un increíble escrutinio por parte de los fans y escépticos y es que, Mushu y las canciones forman parte de la infancia de muchos y es difícil despegarse de ello. Entonces, si tan importantes son en la trama, ¿por qué eliminarlos?

El dragón en China es un símbolo de respeto, poder y fuerza. Aunque el personaje de la película de 1998 luche por todo ello, fue ofensivo para el público tradicional poner al dragón como compañero cómico de la protagonista. Sin embargo, Mulán de 2020 no echa en falta a Mushu. Es una película más dramática y centrada en las batallas, no tan cómica como la de animación. Y bien es cierto que no está totalmente exhenta de comedia, pues encontramos algunos acentos en personajes como el soldado Grillo (guiño al grillo de la buena suerte) o en los compañeros de Mulán.

Tampoco vemos al capitán Li Shang, el interés romántico sex-symbol de toda una generación. En la película de 2020 han dividido al personaje: Comandante Tung  y Honghui y esto, en mi opinión, ha sido un acierto total. Por una parte tenemos al Comandante Tung, superior de Mulán y también su mentor. Honghui se presenta a Mulán como un igual, pero pronto crece en ellos una rivalidad en el campamento, y nos da esa energía de «enemies to lovers» en la que el flirteo puede ser menos incómodo ya que no viene de una figura de rango superior.

La película está claramente inspirada por el cine chino de género wuxia, donde las batallas de artes marciales son muy importantes y caracterísiticas. No soy experta en este género, pero sí que vi claramente la influencia. No son batallas a las que estemos acostumbrados en Occidente y están muy lejos de ser las batallas de Marvel. En estas batallas, las piruetas imposibles y correr por el aire están a la orden del día. Me recordó a cuando vi por primera vez La casa de las dagas voladoras.

Tenemos que hablar de otro elemento que han introducido y que me tiene totalmente fascinada: el personaje de Xian Lang, la bruja aliada del gran villano Bori Khan. Xian Lang y Mulán tienen algo en común: son dos mujeres incomprendidas, relegadas a algo inferior a lo que aspiran. La una es un reflejo de la otra, pero Mulán conoce bien su propósito y objetivo. No quiere gobernar China, tan solo honrar a su familia. Para ella, eso es lo más importante y no lo pierde nunca de vista.

Mulán 2020 | Disney

Otro elemento «robado» de la película de animación es la transformación de Mulán. En la película de 1998 es uno de los momentos más dramáticos y esenciales del personaje pero, en esta película, no lo vemos. Muáan toma la decisión de hacerse pasar por un hombre y lo siguiente que vemos es ella en la armadura. Esta no es la transformación importante. Sí que vemos una trasformación más adelante en la película: cuando Mulán decide ser ella misma y luchar como una mujer. Vemos cómo se suelta el pelo, se quita la armadura pesada y se lanza al campo de batalla siendo ella misma. La aceptación de su identidad es más importante que su disfraz. 

¿Me hubiera encantado escuchar esta música de fondo? Sí. Este tema es de mis piezas musicales favoritas de todos los tiempos. La música en Mulán de Disney+, sin embargo, nos da pequeñas pinceladas de muchos temas de la película de animación: «Reflejo» suena en su forma instrumental en varias ocasiones clave, «Mi dulce y linda flor» está en un diálogo y también se hace referencia a «Voy a hacer todo un hombre de ti». En esta película no se echa de menos los números musicales, simplemente no encajarían.

Y no puedo irme sin hablar de la fotografía. Hay un plano en concreto que casi me hace llorar, y es un plano que está en la última conversación de Mulán con el Emperador, cuando este le ofrece un alto cargo en el ejército imperial. A lo largo de la película hemos visto al Emperador siempre rodeado de oro, pero es que este plano se lleva la palma. No tengo imágenes de él y es posible que no sea un plano espectacular técnicamente hablando, pero el dorado de ese plano a mí me dejó sin palabras. Los colores de la película son espectaculares. Es una película muy viva, no es solo drama. Al final, es una película Disney en la que no vemos ni una gota de sangre. Los colores de los trajes y los paisajes son, simplemente, hermosos.

Esta película no es una fiel adaptación de la de animación de 1998 como sí hizo El rey león. No es un calco, ni pretende serlo. Es otra película, basada en la misma historia, con elementos similares, guiños y añadidos completamente distintos. Hay que tomarlas como dos películas distintas. Te puede gustar más una que otra, o puede haber elementos de una que te fascinen y otros que no tanto. La película de animación no se ha ido a ninguna parte y siempre estará ahí para volver a ella cuando quieras. Mulán 2020 es otro enfoque a la leyenda tradicional china, una ventana a un género al que no estamos acostumbrados y que nos sirve de oportunidad para explorar más en profundidad.

SKAM España ha vuelto y no podíamos estar más confusos

La tercera temporada se cuenta desde el punto de vista de Nora y ha empezado fuerte

SKAM España es el remake español de la serie originalmente noruega SKAM. Esta cuenta con numerosos remakes a lo largo y ancho de Europa y ha revolucionado el modo de contar historias gracias a su gran contenido transmedia. Esto significa, así deprisa y corriendo, que la historia es contada a través de varias plataformas, no solo a través de los episodios.

Clips de vídeos van saliendo a lo largo de la semana a tiempo real, al igual que contenido en los perfiles de Instagram de los protagonistas, o también se cuelgan conversaciones privadas que los personajes tienen en WhatsApp. Este método de storytelling es el que mantiene a un gran fandom totalmente enganchado al móvil y a las redes de SKAM, pendientes de cualquier contenido que pueda salir. Y esto nos lleva a la gran expectación que había por el principio de la temporada 3, que se ve desde el punto de vista de Nora Grace. Anteriormente habíamos seguido a Eva y, en la temporada 2, a Cris y su relación con Joana.

Estos días hemos podido ver en sus redes sociales pequeñas pistas sobre cuándo y cómo iba a desarrollarse esta temporada, y las redes hoy estaban ardiendo mientras los más fans esperaban con ansia el primer clip y el reencuentro de su squad favorita, haciendo conjeturas sobre la historia que la temporada podría llevar.

Además, el fandom también lanzaba esta mañana mensajes de apoyo y cariño para los actores de la serie. Al fin y al cabo, ellos son los protagonistas y les hace mucha ilusión poder sacar a la luz su temporada.

Por si no lo habéis visto todavía, aquí tenéis el primer clip de SKAM España temporada 3, siete minutacos de muchas emociones:

En el clip, nos encontramos que Nora y Alejandro ¡están juntos! Y no solamente están juntos y nos hemos perdido su primer beso (cosa por la que las redes sociales han ardido esta tarde), sino que también han roto. No sabemos todavía de quién ha sido totalmente la culpa pero, como dice Alejandro, «las cosas no son blanco o negro siempre«, así que lo que sí sabemos es que se nos viene mucho drama encima.

¿Qué creéis que va a ocurrir?

 

Crítica de «Puñales por la espalda»: misterio, comedia y Daniel Craig

Da igual qué tipo de película te guste: esta es para ti.

El Cluedo convertido en película.

El 29 de noviembre se estrena en los cines «Puñales por la Espalda»Knives out» en inglés), una película dirigida por Rian Johnson y protagonizada, entre otros, por Daniel Craig, Chris Evans, Jamie Lee-Curtis y Ana de Armas. Un gran elenco que se ve envuelto en este juego de asesinos cuando el patriarca de la familia, Harlan Thrombey, es hallado muerto en su estudio el día después de su 85º cumpleaños.

Cuando esto ocurre, todo el mundo piensa que se trata de un suicidio. Pero tú y yo sabemos que esto no sería una película de Cluedo si esto fuera así de fácil. Daniel Craig interpreta al flamante detective Benoit Blanc, que ha sido contratado anónimamente para resolver el crimen del octogenario (misterioso, en efecto).

Ahora bien, no puedo revelar mucho porque si no no tendría sentido que os recomendara esta película. Así que voy a hacerlo ya: ved esta película. Tanto si eres fan de las películas de misterio como si no, esta película es para ti. Es muy satisfactoria de ver, te va dejando pistas más fáciles o más difíciles. Sin embargo, el misterio de «¿Quién ha sido?» no es lo más interesante de la película porque es algo que se revela bastante antes de lo que estamos acostumbrados.

Es una película divertida, consciente de su género cinematográfico, muy agradable de ver. Visualmente funciona, es adecuada a la época porque en ella se tratan temas sociales aunque muy, muy por encima; son apenas guiños o pequeñas puñaladas más que crítica social desarrollada. Y si la veis en versión original: el acento de Daniel Craig.

No creo que sea una película trascendental, ni de esas que se convierten en películas de culto. De hecho, no sé por qué, me da que va a pasar bastante desapercibida a pesar del gran elenco. Ojalá no sea así. No me cansaré de decirlo: id a verla. Fui con varios amigos al cine y a todos nos gustó mucho, todos coincidimos en que es una película para todos. ¡Apuesta segura!

 

Reseña de Frozen 2: ¿Una buena secuela?

¡Sin spoilers! (Solo los justos para poder hablar de la película, lo prometo)

Elsa y Anna vuelven a ser protagonistas indiscutibles de la secuela.

Este día 22 de noviembre de 2019 llega la esperada secuela del gran éxito de Disney, Frozen 2. Con una canción que marcaría toda una generación, «Let It Go» («Suéltalo» en castellano) sería el nuevo himno de Disney. Frozen 2 tenía el listón muy alto para hacer frente a su anterior éxito. La pregunta es: ¿lo han conseguido?

En Frozen podemos ver el increíble vínculo entre las hermanas Elsa y Anna, y en esta secuela lo reafirman. Las dos hermanas han rehecho su vida, pero Anna sigue muy pendiente de Elsa para asegurarse de que no va a perderla otra vez. Cualquiera diría que debería estar menos paranoica, pero Elsa le da razones para sospechar: en los primeros momentos de la película podemos observar que Elsa oye una voz que la llama, pero decide ocultárselo a Anna «para no estropearlo todo».

Elsa preocupada por la voz que escucha | Disney

En esta película se trata la gran pregunta: ¿de dónde vienen los poderes de Elsa? La ciudad de Arendelle está en peligro, y las dos hermanas deciden emprender un viaje para salvar su hogar, sin saber que descubrirían mucho más de su pasado. Kristoff, Sven y Olaf se unen a la aventura, por supuesto.

Como siempre, exploremos las cosas que me han gustado y las que no. Empecemos por las buenas:

La banda sonora, otra vez un sobresaliente. Las canciones están bien repartidas y tienen un gran poder y presencia en la película. Son muy potentes, muy pegadizas, y sales con ganas de volver a escucharlas. No sé si llegarán a ser tan populares como «Let It Go», pero «Show Yourself» e «Into the Unknown» tienen un huequito en mi corazón.

Olaf. Nunca pensé que diría esto, pero Olaf me ha encantado en esta película. Yo era de esas que odiaban el personaje, he de admitir. No me caía bien, y el corto de 20 minutos antes de Coco sobre Olaf me perseguía en mis peores pesadillas. Pero en esta película Disney ha hecho autocrítica y esta vez el personaje hace gracia. Gracia de verdad, no solo para vender un peluche y sacar risas a los niños de dos años. Ojo a Olaf, que está muy bien en Frozen 2.

¡El humor! Otro indicativo de que Disney ha hecho autocrítica es que se ríen de ellos mismos, y toda la sala de cine parecía estar de acuerdo. La película es muy divertida y fue algo que me sorprendió gratamente porque no lo esperaba.

Pasemos a lo que no me ha gustado.

El guion, como Frozen, flojea. Tienen una buena -buenísima- historia para contar y, sin embargo, no lo hacen bien. Todo está muy apresurado, como si tuvieran prisa. Se saltan la primera norma de guion: enseña, ¡no cuentes! Durante toda la película tenemos a Anna o a Olaf comentando lo que está pasando, y llevándonos de la mano para asegurarse de que lo hemos entendido todo. Es como Christopher Nolan pero versión infantil. Y Anna también sabe siempre qué hacer, casi sin pistas y sin contexto. Podemos tener a Ruth Lorenzo encerrada en una escape room durante 24 horas pero Anna de Frozen sabe en 30 segundos cómo resolver todo obstáculo que se le pone por delante.

Toda la película se basa en un concepto que es mentira: que el agua tiene memoria. Además de ser falso, es peligroso soltar este tipo de enunciados como verdaderos en una película para niños porque este es el principio en el que se basa la explicación de las propiedades curativas de la homeopatía.

¡Y hasta aquí puedo contaros! Han pasado seis años desde Frozen, pero sin duda es una película que merece la pena ir a ver. ¿Quién más tiene ganas?

«Doctor Sueño»: secuela de «El Resplandor» o la fantasía del director

Basada en la novela homónima de Stephen King, llega la secuela de «El Resplandor» al cine.

Ewan McGregor es la versión adulta de Danny Torrance.

Anoche fui al cine a ver el nuevo estreno de cine de terror: «Doctor Sueño», dirigida por Mike Flanagan y protagonizada por nuestro guaperas favorito: Ewan McGregor. Aviso ya porque no quiero dejar dudas: no he leído «El Resplandor» ni «Doctor Sueño», las novelas de Stephen King en las que se basan las películas. Así que vengo a juzgar la película como tal.

Antecedentes: tenía muchas ganas de ver la película. No soy especial fan de «El Resplandor» pero oye, la película es muy chula, muy clásica, inquietante y visualmente espectacular. Antes de ver el tráiler de «Doctor Sueño» no sabía que esto era una novela que continuaba «El Resplandor», así que al ver las pistas en el tráiler me quedé muy loca y con ganas por ver cómo continuaba la historia.

Me había informado un poquito, lo suficiente, de esta película antes de entrar a verla. Tenía especial ganas porque está dirigida por Mike Flanagan. Flanagan es conocido por hacer películas de miedo y terror más bien poco conocidas, no han llamado especialmente la atención de la gente. Pero también es conocido por hacer recientemente la serie de Netflix «La maldición de Hill House». Y por esto tiene un hueco en mi corazón, porque es una serie que me atrapó por completo y que me hizo obligar a todos mis conocidos a verla con ellos, uno por uno, para asegurarme de que no se la perdieran.

Así que cuál es mi sorpresa al sentarme en la sala de cine, esperando una secuela de «El Resplandor», cuando me encuentro una excusa. Ahora, no quiero decir que sea una excusa mala. Me parece fascinante lo que se ha hecho con esta película. Y, ahora sí, comienzan los spoilers tanto de esta película como de «La maldición de Hill House».

«Doctor Sueño» comienza en 1980, con una niña pequeña, Violet. 1980 es la fecha en la que sale y se basa «El Resplandor», así que es algo significativo. Es cuando Danny Torrance vive todo el terror en el hotel «The Overlook». La niña en cuestión va a buscar flores y se encuentra con una mujer en el bosque, llamada Rose. Esta niña es interpretada por la actriz con el mismo nombre Violet McGraw. Violet McGraw dio vida a la pequeña Nelly en Hill House.

Ahora, esto puede ser casualidad, porque Flanagan necesitaba a una niña que interpretara a Violet en su guion y eligió a esta niña con la que ya había trabajado. Pero sabiendo que fue Flanagan quien escribió el guion de «Doctor Sueño» y que no se menciona a ninguna «Violet» en el libro de Stephen King (lo acabo de buscar gracias a Google), mi teoría favorita es que esta es la primera pista para que relaciones esta historia con la serie de Hill House.

Rose (Rebecca Ferguson) la mujer con la que se encuentra, es increíblemente parecida a Carla Gugino, Olivia en Hill House. Para mí es otra conexión, o simplemente que Flanagan tiene debilidad por las mujeres con ojos claros y pelo castaño. Pero continuemos con la chicha.

Rose y su equipo de malotes inmortales se dedican a matar niños «que resplandecen», que brillan, que tienen algún tipo de poder. Niños como Danny Torrance. Los torturan y se alimentan de ellos. Esto los hace casi inmortales. Hace que vivan durante mucho tiempo. Pero tienen que seguir matando y torturando niños para ello o, de lo contrario, envejecerán y morirán. Es en 2011 cuando se cruzan con Abra Stone.

Abra Stone es una niña adolescente con grandes poderes. Curiosamente, Abra puede hablar con Danny Torrance que, ya mayor, no está en su mejor momento. Sumido en el alcohol, que utiliza para mitigar sus demonios y traumas del pasado, decide rehabilitarse en un pequeño pueblo. Y habla a distancia con Abra, que no sabe muy bien qué está haciendo, pero que tener un amigo en la distancia con el que se comunica a través de sus poderes es algo que le parece divertido.

Voy a resumir aquí: los malotes detectan el poder de Abra, deciden ir a por ella, pero ella se entera de quiénes con y de que torturan niños y se lo cuenta a Danny. Le pide vengar a todos esos niños y matar a esos torturadores para terminar con todo este sufrimiento. Danny al principio pasa, porque tiene muchos problemas, pero luego decide que es mejor ir a por ellos porque matar niños no está bien.

Pero ahora en serio, la chicha. La chicha del asunto es el modo en que Flanagan ha relacionado Hill House con «El resplandor». Recordemos que Hill House es una casa con vida propia, con fantasmas que ahí murieron que se alimentan de sus habitantes, de los más vulnerables. Se alimentan de ellos y los arrastran a vivir allí para siempre. La casa es un cuerpo, y la Habitación Roja es el estómago, que digiere a las personas. 

Danny Torrance describe en esta película el Hotel Overlook como un lugar con vida propia, que absorbe a quien lo habita. No sé si usa las mismas palabras que en Hill House, pero es claramente un paralelismo. En el mundo existen lugares así, Hill House es uno, y The Overlook es otro. Y así es como Mike Flanagan expande su fantasía de Hill House con una de las películas clásicas de terror de nuestro cine, porque son del mismo universo.

Además, siendo Flanagan director de películas de terror, cabe pensar que «El resplandor» sea una de sus películas favoritas. Debe haber sido absolutamente increíble recrear varias de sus escenas favoritas, construir los mismos decorados, cambiar y alterar, poner tu granito de arena en una de las historias más famosas del cine y novela de terror.

¿Cosas que flojean? Por supuesto. Algunas. No entiendo muy bien cómo funciona el aparato que los malotes usan para capturar la esencia de los niños a los que matan. No necesito el manual de instrucciones, pero era algo muy fácil. Y tampoco me encanta que me pinten a Rose como la villana más poderosa del mundo pero que no dé tanta guerra como esperaba.

Dicho esto, me lo he pasado en grande viendo esta película. ¿Qué opináis vosotros?

No me ha gustado ‘Joker’ y estas son las razones

Todd Phillips intenta elevar su dirección con un resultado algo mediocre.

La película «Joker», de Todd Phillips, está arrasando en cartelera. Todos aclaman esta nueva versión de uno de los villanos más conocidos, esta vez interpretado por Joaquin Phoenix. Pero, sin embargo, la crítica está dividida. Aunque al público general parece agradarle, la gente más entendida en cine tiene opiniones dispares.

Yo tampoco soy una eminencia del cine, y ya sabéis que mis críticas aquí son bastante informales. Por eso quiero explicaros qué me gusta y qué no me gusta de esta nueva película del Joker.

Hablemos primero de las aspiraciones de esta película. Todd Phillips, el director, intenta dar un giro a su carrera cinematográfica tras haber dirigido películas como «Resacón en Las Vegas», «Juego de armas» o «Starsky y Hutch». El año pasado producía una película distinta que tuvo mucho éxito: «Ha Nacido una Estrella» (con Lady Gaga y Bradley Cooper, que además fue el director).

Joker es, sin duda, un giro. Acostumbrado a películas de comedia, todas bastante similares entre ellas, llega con la promesa de un Joker con gran influencia de Martin Scorsese. Son como dos ingredientes fáciles, ¿no? Muy fácil de vender a un público cinéfilo.  ¿Cómo no va a gustarte Martin Scorsese? ¡Y el Joker! Luego vemos que las influencias se basaban, sobre todo, en la obvia comparación de Joker con Travis (Robert De Niro) en «Taxi Driver» y claras referencias a «El Rey de la Comedia», también con Robert De Niro dirigido por Scorsese.

En esta película de «Joker» el protagonista es Arthur, un hombre que sufre porque el mundo lo trata mal. Además de que no está en el mejor momento de su vida en cuanto a salud mental, siente que su propósito en la vida es hacer feliz al mundo, pero le cuesta mucho porque todo el mundo es cruel con él: desde las personas que le discriminan por su condición médica hasta el sistema, que le quita todas las ayudas y medicamentos. Es otro elemento muy sencillo con el que empatizar: el maltrato de la sociedad.

El personaje, como tal, es absolutamente plano. No tiene aspiraciones, más que «hacer feliz a la gente», ser comediante. Pero no es gracioso. No puede ni contar un chiste por su condición, en la que suelta carcajadas. No evoluciona en toda la película, excepto al final, cuando de repente tiene un traje impecable y hecho a medida, y consigue soltar un monólogo antisistema en directo en su programa de televisión favorito. Acto seguido, asesina a lo que hasta ahora había sido su figura paterna platónica. De repente tiene una pistola y es alguien totalmente nuevo, esto no puedo comprarlo como «evolución». Es además una película más de un «genio torturado», un incomprendido y maltratado por la sociedad.

La fotografía es de manual de thriller: fría, oscura, misteriosa. Además de las referencias a las películas de Scorsese ya mencionadas. Y la música es pomposa, indicándote en cada momento qué sentir, por si tenías alguna duda. La película te va guiando, juega y manipula al espectador de un modo bastante insultante con un «copia y pega» de elementos que son «de películas buenas».

Pero si no es por Joaquin Phoenix, esta película sería tremendamente aburrida. Lo más interesante de «Joker» es el actor protagonista, que es brillante. Su risa, sus miradas, la transformación que tuvo que hacer para el papel. La película se cae sin Phoenix, y eso es un símbolo de alerta importante. Si lo mejor de una película es el actor… bueno, es que la película no merece mucho la pena más allá de ello.

Sobre las teorías de la película no voy a ha hablar, porque para eso está Twitter. Yo salí del cine bastante contenta con la película pero, en perspectiva, no la volvería a ver. Además, que vamos a hartarnos de ver disfraces de Halloween del Joker y eso ya es bastante como para exasperarme mucho.

 

Zombieland: Mata y Remata | Review

Llega la secuela diez años más tarde.

He tenido la oportunidad de ver Zombieland: Mata y Remata (Double Tap en su versión original), la secuela de la aclamada comedia de zombies que se estrenó hace ya diez años, y he salido decepcionado.

Sin ninguna duda, la primera película de Zombieland sorprendió; su ruptura constante de la cuarta pared, su edición dinámica y casi caricaturesca, y la buena química entre Columbus (Jesse Eisenberg) y Tallahassee (Woody Harrelson) hicieron que una temática tan sobre explotada como el apocalipsis zombie se sintiese totalmente fresca. Pero han pasado 10 años, y la secuela no ha sabido adaptarse.

Dirigida también por Ruben Fleischer, la película lleva cocinándose desde 2010 tras el éxito de la original. Por diferentes problemas se fue atrasando, y los propios actores llegaron a decir que no le veían mucho sentido a hacer una secuela tras tanta espera. Sin embargo, el 18 de octubre llega a los cines hecha realidad retomando la trama un poco más tarde que los sucesos originales.

El cuarteto vuelve a ser el protagonista de esta segunda parte.

Ahora, con más control sobre la supervivencia en Zombieland y más unidos que nunca, Columbus, Tallahassee, Wichita (Emma Stone) y Little Rock (Abigail Breslin), se instalan en la Casa Blanca como una especie de familia peculiar. Pero todo cambia cuando Wichita y Little Rock deciden marcharse sin avisar, a vivir su vida. A partir de este punto empieza la trama de Zombieland: Mata y Remata, y toda ella transmite la sensación de ser un “quiero y no puedo” de la anterior versión.

Todos los personajes son cien veces más cargantes que antes, todas sus decisiones se basan en intereses del guión pero en ninguna lógica, y hay escenas que literalmente están ahí por rellenar la película. Por ejemplo, y sin entrar demasiado en spoilers, en un momento dado el cuarteto está buscando un vehículo y localizan un autobús/caravana increíblemente atractivo. Allí tiene lugar una batalla sangrienta contra los zombies con intención de conquistar el autobús, solo para pinchar sus ruedas en el instante siguiente a ganarla. El autobús queda “inservible” (aunque estoy seguro de que debería haber una rueda de repuesto en el maletero) y vuelven al punto de origen anterior a la escena. Es decir, puro relleno. Sí que es cierto que aprovechan para recalcar el mensaje de que ha aparecido un nuevo tipo de zombie más resistente e inteligente; un mensaje que nos repiten varias veces en la película y que no requería de la escena del autobús para confirmarlo; pero que, a pesar de ello, pasa sin pena ni gloria en la trama de la película. Sí, los zombies de élite aparecen en algunos momentos, pero literalmente podrían ser zombies normales y no habría afectado a la trama de ninguna manera.

Y luego están los estereotipos. Entiendo que es una película que no busca tener una trama compleja ni un humor profundo, pero recurrir al tópico de “mujer rubia, guapa y tonta” para cubrir el puesto de saco de boxeo del paternalismo de los demás personajes es algo que parece más propio de la década pasada que de esta. Lo mismo ocurre con los hippies, un movimiento social que tiene bastante peso en la trama de la película, pero que se presenta bajo el estereotipo anticuado de consumidores excesivos de marihuana, pacifistas que prefieren cantarle una canción al zombie a defenderse, y que funden todas las armas para hacer collares de la paz.

La película parece una parodia de sí misma, pero es posible que exista un público al que pueda ir dirigida y funcionar. Si lo que buscas es ir al cine y desconectar durante un par de horas sin pretender sacar nada de la película, igual Zombieland: Mata y Remata cumple la función. Pero si disfrutaste con la primera película y esperabas ir al cine para encontrar algo a la altura, es mejor que te quedes en casa.

Review de «El Rey León»: una maravillosa tecnología

«El Rey León» es un increíble -pero efectivo- alarde por parte de la productora.

Cada detalle de la película está creado por ordenador y perfeccionado al milímetro.

El 18 de julio se estrena en cines «El Rey León«, el remake de la famosísima película de Disney, esta vez dirigida por Jon Favreau (Elf, Iron Man). Somos muy afortunados y en Omglobalnews la hemos podido ver unos días antes, así que voy a comentaros qué me ha parecido. Como no hay peligro de spoilers (voy a asumir que todos habéis visto El Rey León de 1994), aviso ahora de que hay «spoilers».

Lo que más llama la atención de esta versión es que todo, absolutamente todo, está hecho a ordenador. Hasta la última brizna de césped ha sido renderizada de manera óptima, y choca pensar que no haya algo «real» ahí plantado. Sí que es cierto que los animales hablando y cantando no son demasiado realistas ni especialmente expresivos al ceñirse demasiado a los gestos reales del reino animal, pero era algo que ya nos esperábamos. La película goza, sin embargo, de unos planos absolutamente preciosos de escenarios, atardeceres, charcos (sí, el movimiento del agua es espectacular y me fascina) y es un gran punto a favor: es muy bonita.

Además, la película cuenta con un reparto de lujo. Beyoncé, Donald Glover, Chiwetel Ejiofor, John Oliver. Sin embargo, uno de los mayores atractivos de la película (Beyoncé en el papel de Nala) es algo que a mí, personalmente, me sobra. Mientras todos los personajes están en su línea interpretativa correcta, Nala va haciendo unos gorgoritos en las canciones como para que no te olvides de que no es Nala, sino Beyoncé.

Una de las críticas que más he escuchado es «que no aporta nada», más allá de la técnica con la que está hecha. Y es que la película es un calco de la de 1994. De hecho, la canción incial de «El ciclo sin fin» es tal cual, exactamente los mismos planos, incluso los créditos iniciales, idéntica a la original. Esto puede ser algo bueno o algo malo. Al fin y al cabo, hacerla tan parecida ha sido una decisión consciente. «El Rey León» es uno de los grandes clásicos, y han decidido dejarla tal cual.

Entonces, ¿por qué hacerla? Pues para alardear. Porque pueden. Porque tienen a Beyoncé y hacen que hasta la más pequeña hormiga parezca real. Y porque la película tiene 25 años y hay que mantenerla viva, ya que todos los parques temáticos de Disneyland se basan en estas películas. Además, muchas veces se hacen este tipo de productos audiovisuales con estas tecnologías solo para ser los primeros en hacerlo, para marcar un antes y un después en el sector. Se nos olvida que el cine es una industria.

Aún así, «El Rey León» ha superado mis expectativas. No ha sido tan incómodo como pensaba que iba a serlo el ver a leones «reales» cantar. La música me ha transportado a mi infancia, a cuando veía la película sin saber del todo lo que estaba contando, y me ha hecho llorar encontrando en mí sentimientos que no sabía que tenía. O sea, yo sé que daba pena la muerte de Mufasa, pero ahora se le da otra vuelta y otra perspectiva ganada con los años. Que llevéis pañuelos, vaya. Timón y Pumba han ganado mucho con este remake. Si ya me gustaban antes, ahora más. Las bromas son más actuales y hay guiños muy buenos dentro del propio universo Disney. Quien no ha salido tan bien parado ha sido Rafiki, que parece perder gracia y personalidad; y el propio Scar. Sigue siendo igual de intimidante, pero la expresividad del de dibujos animados era insuperable. Ya, lo sé, era un dibujo. Pero ya que lo estoy comentando todo, pues lo digo. Además, su canción («Preparáos«), ha sido reducida a un discurso rítmico y poco más. Si te gustaba esa canción, es un poco decepcionante.

En general, he salido muy contenta. Me ha entretenido, me ha hecho reír, he llorado, me ha sorprendido y he rememorado tiempos mejores en los que no tenía que preocuparme por pagar el alquiler. Ha cumplido su función. No hay mucho más que pedirle a una película Disney.

Spider-man Lejos De Casa: review sin spoilers

Spider-man Lejos de Casa: una coda necesaria para el final de la fase 3

Este 5 de julio sale en cines la película «Spider-man Lejos de Casa», que sería el final de la Fase 3 del MCU. Nosotros hemos tenido la increíble suerte de haberla visto unos días antes de su estreno y esto es lo que nos ha parecido.

Con la muerte de Tony Stark, se ha quedado un increíble agujero en el liderazgo de Los Vengadores, y pesa. Sobre todo le pesa a Peter Parker (Tom Holland), pues ha perdido a su mentor. No solo eso, sino que la prensa se pregunta si es él el nuevo líder de Los Vengadores, cuando él no siente que sea mucho más que el «amigo y vecino Spider-man», algo así como un superhéroe local. Y aquí es donde comienza la historia, con Peter Parker a punto de embarcarse en un viaje escolar por Europa, por lo cual también estarán MJ (Zendaya) y Ned (Jacob Batalon).

El viaje y cambio de ubicación aporta un elemento diferenciador a lo que hemos visto anteriormente, pues siempre había sucedido todo en Nueva York (o en el espacio). Peter ve este viaje como una oportunidad para pasarlo bien y confersarle sus sentimientos a MJ.

En esta película el tono dramático de Infinity War y Endgame se ve drásticamente rebajado, y volvemos a un Spider-man simpático, entretenido, muy similar al tono de Homecoming. Con algunas capas más tras el trauma del chasquido de Thanos, pero con una trama más ligera que las últimas películas que hemos visto de Marvel. Sin duda la trama de romance de instituto no es muy común en este universo, pero le da un toque de frescura que necesitábamos.

Sin embargo, el romance de Peter y MJ no es el punto central de la película. Han sabido equilibrar bien esta trama con las escenas de acción en las que se lucha con los Elementales, unas criaturas de agua, fuego, tierra y viento que, según nos cuenta Mysterio (Jake Gyllenhaal*), destruyeron su Tierra. Esto abre la puerta al multiverso, como se intuye de las escenas del segundo trailer. Todas las escenas de lucha son sobresalientes, especialmente la última de la película.

Si bien Spider-man Lejos de Casa no tiene un gran peso para el MCU como otras películas, sí que lo tienen sus escenas postcréditos. Y sí, escenas: hay dos. Confío en vosotros pero, por si acaso, hacedme el favor de no levantaros de la butaca hasta que hayan terminado todos los créditos. Ahora solo nos queda preguntarnos… ¿qué nos deparará la Fase 4?

 

*He tenido que buscar en Google el apellido porque creo que nunca podré aprender a escribirlo bien. Ya lo siento.

Yesterday: Nuestra review de la película

¿Qué pasaría si todo el mundo olvidase a los Beatles?

Yesterday, de Danny Boyle.

Todo el mundo conoce a The Beatles y, de una forma u otra, ha escuchado alguna vez sus canciones. ¿Pero qué pasaría si esto dejase de ser así? Esta es la premisa de la nueva película de Danny Boyle, Yesterday, que llega a los cines este viernes 28 de junio.

Sin entrar en detalle, tras un apagón a nivel mundial, el hasta ahora fracasado músico Jack Malik se da cuenta de que los Beatles se han borrado de la historia, nunca han existido, pero él recuerda todas las canciones. Y haciendo uso de esta información, su carrera como músico dará un vuelco completo. Aunque la trama de la película pueda parecer que se va a apoyar en explicaciones complejas de ficción, la realidad es que se trata de una película especialmente simple. Y ahí reside su encanto.

¿Qué más da por qué ocurre el apagón? ¿Qué más da por qué solo él recuerda la historia? ¿Qué más da todo? En la película ni lo explican ni se siente necesario, porque lo importante es el argumento. Es un clásico «¿qué pasaría sí?» contado de una manera sencilla pero magistral. En cierto modo Yesterday no deja de ser una comedia romántica musical, que disfrutarás especialmente si conoces bien la música del grupo ya que está plagada de referencias e indirectas más allá de sus momentos musicales.

Pero es precisamente el punto de romántico el que se siente más como algo innecesario; y no porque no aporte, sino porque el papel de Lily James como Ellie Appleton está construido en su totalidad sobre el mismo concepto aburrido (y sexista) de siempre: una mujer cuyo mayor objetivo en la vida es que su amor sea correspondido. Si bien es cierto que hay un momento muy específico de la película donde esta idea parece romperse, rápidamente vuelve a caer en lo mismo. Y es verdaderamente una pena porque el potencial del personaje de Ellie da pie a haber sido mucho más interesante, aunque podría haber complicado una trama ya de por sí simple.

Jack Malik (Himesh Patel) y Ed Sheeran en Yesterday | Universal Pictures

En cualquier caso, Yesterday es una película que hace reír, pensar e incluso capaz de sacarte alguna lágrima. Y con un reparto de lujo. Por un lado da gusto ver a un personaje protagonista de rasgos indios sin que su principal característica sea ser indio; y, por otro, hace especial ilusión ver el pequeño papel de Ed Sheeran y de James Corden.

Esta película es especialmente buena en reírse de sí misma. Ed Sheeran se ríe de sí mismo constantemente, hay una mofa constante a la industria musical (mencionando explícitamente a Universal Music, siendo una película de Universal Pictures) y, en general, está plagada de momentos de humor.

Yesterday se suma, muy a su manera, a la oleada de películas basadas en la música de grandes artistas de los 60-80 como Bohemian Rhapsody o Rocketman, que vuelven a revivir grandes hitos musicales y te hacen salir del cine inevitablemente cantando.